Sechs Stunden in Neapel
Abends im Studio Morra in Neapel, 1974. Marina Abramović steht reglos im Raum, neben ihr ein Tisch mit 72 Gegenständen: eine Rose, Honig, Brot, eine Feder, Lippenstift, eine Schere, Nägel, ein Skalpell, eine Pistole und eine Kugel. Ein Text erklärt, dass das Publikum die Dinge sechs Stunden lang an ihr benutzen darf, wie es will. Sie übernehme die volle Verantwortung. Zuerst geschieht wenig. Dann schneiden Besucher ihr die Kleidung auf, ritzen ihre Haut, schließlich legt jemand ihr die geladene Pistole in die Hand und richtet sie auf sie. Andere greifen ein.
Rhythm 0 zeigt, was Kunst seit den späten 1960er-Jahren sein kann: kein Gegenstand an der Wand, sondern eine Situation, deren Ausgang offen ist und in der das Publikum selbst zum Material wird.
Wann beginnt die Gegenwart?
Wo die Moderne aufhört und die Gegenwartskunst beginnt, ist umstritten. Manche Museen setzen den Schnitt bei 1945, andere in den 1960er-Jahren, wieder andere 1989, mit dem Fall der Mauer und der Globalisierung der Kunstwelt. Einig ist man sich darüber, dass sich um 1970 etwas Grundsätzliches verschoben hat. Die großen Erzählungen der Moderne, die eine Richtung nach der anderen hervorzubringen schienen, verloren ihre Kraft. Der Philosoph Arthur C. Danto sprach 1984 vom „Ende der Kunst“. Gemeint war nicht, dass niemand mehr Kunst macht, sondern dass es keinen verbindlichen Stil mehr gibt, an dem sie sich messen lässt.
Die Idee als Werk
Am radikalsten zog die Konzeptkunst die Konsequenz aus Duchamp und der Pop Art. „Die Idee wird zu einer Maschine, die die Kunst macht“, schrieb Sol LeWitt 1967. Joseph Kosuth stellte in One and Three Chairs einen Stuhl neben ein Foto desselben Stuhls und den Wörterbucheintrag „chair“ und fragte so, wo das Kunstwerk eigentlich liegt.
Andere verließen den Ausstellungsraum ganz. Im April 1970 ließ Robert Smithson im Großen Salzsee in Utah eine 460 Meter lange Spirale aus Basaltgestein und Erde aufschütten. Spiral Jetty verschwand jahrzehntelang unter dem Wasserspiegel und taucht je nach Wasserstand wieder auf. Das Werk ist untrennbar mit seinem Ort verbunden, und die Zeit gehört zu seinem Material.
Düsseldorf als Labor
Für die deutsche Gegenwartskunst wurde Düsseldorf zu einem Zentrum. An der Kunstakademie lehrte ab 1961 Joseph Beuys. Sein „erweiterter Kunstbegriff“ und die Idee der „Sozialen Plastik“ verstanden die ganze Gesellschaft als Gestaltungsaufgabe. Der Satz „Jeder Mensch ist ein Künstler“ wurde zu seinem bekanntesten Motto. Zur documenta 7 im Jahr 1982 begann er in Kassel das Projekt 7000 Eichen: Neben jedem gepflanzten Baum sollte ein Basaltstein stehen. Den letzten Baum pflanzte man 1987 zur Eröffnung der documenta 8, nach seinem Tod.
Fast gleichzeitig prägten Bernd und Hilla Becher mit ihren nüchternen Fotoserien von Fördertürmen und Wassertürmen eine ganze Generation. Aus der Fotoklasse, die Bernd Becher ab 1976 an der Akademie leitete und gemeinsam mit Hilla Becher unterrichtete, kamen Andreas Gursky, Thomas Struth, Candida Höfer und Thomas Ruff, die als „Düsseldorfer Fotoschule“ weltberühmt wurden. Gerhard Richter, ebenfalls Professor an der Akademie, verband Malerei und Fotografie wie kaum ein anderer. Einer seiner Schüler, der Bildhauer Thomas Schütte, ist ab Mitte November 2026 mit einer großen Ausstellung im K21 zu sehen, mehr dazu im Ausstellungskalender.
Körper, Geschlecht, Politik
Seit den 1970er-Jahren ist Gegenwartskunst immer auch eine Auseinandersetzung damit, wer sprechen darf und wer gesehen wird. Judy Chicago schuf mit Helferinnen The Dinner Party, einen dreieckigen Tisch mit 39 Gedecken für bedeutende Frauen der Geschichte. Die anonymen Guerrilla Girls fragten 1989 auf einem Plakat, ob Frauen nackt sein müssten, um ins Metropolitan Museum zu kommen: Weniger als fünf Prozent der Künstler in der Abteilung für moderne Kunst seien Frauen, aber 85 Prozent der Akte weiblich.
Während der AIDS-Krise schuf Félix González-Torres stille, zutiefst politische Werke. Für Untitled (Portrait of Ross in L.A.) liegt ein Berg Bonbons in der Ecke. Sein Gewicht von etwa 79 Kilogramm entspricht dem Idealgewicht seines Partners Ross Laycock, der an AIDS erkrankt war. Die Besucher dürfen Bonbons mitnehmen, der Berg schwindet und wird immer wieder aufgefüllt.
Rückkehr der Malerei, Macht des Marktes
Um 1980 kehrte die Malerei mit Wucht zurück: In Deutschland die „Neuen Wilden“, Georg Baselitz und Anselm Kiefer, in New York Jean-Michel Basquiat, der vom Graffiti in die Galerien kam. Ende der 1980er-Jahre traten in London die Young British Artists um Damien Hirst auf. Hirst organisierte 1988 die Ausstellung „Freeze“, die Schau „Sensation“ in der Royal Academy machte die Gruppe 1997 berühmt.
Zugleich wuchs der Kunstmarkt zu einer globalen Industrie mit Messen, Auktionsrekorden und Sammlermuseen. Ob der Preis eines Werks etwas über seine Bedeutung aussagt, gehört zu den Dauerstreitfragen der Gegenwart.
Die Welt als Ausstellung
Lange blickte die Kunstwelt vor allem auf Europa und Nordamerika. Das änderte sich spürbar Ende der 1980er-Jahre. 1984 wurde die Biennale von Havanna gegründet, mit Schwerpunkt auf dem Globalen Süden. 1989 zeigte die Pariser Ausstellung „Magiciens de la terre“ Künstler aus allen Kontinenten nebeneinander. Die documenta 11 von 2002 unter Okwui Enwezor, dem ersten nichteuropäischen Leiter, machte postkoloniale Perspektiven zum Zentrum.
Heute gehören Künstlerinnen und Künstler wie Yayoi Kusama aus Japan, El Anatsui aus Ghana oder Ai Weiwei aus China zu den bekanntesten der Welt. Ai Weiwei füllte 2010 die Turbinenhalle der Tate Modern mit rund 100 Millionen handbemalten Sonnenblumenkernen aus Porzellan. Wie konfliktreich diese Öffnung sein kann, zeigte die documenta fifteen 2022, als ein Banner mit antisemitischen Bildmotiven entfernt werden musste und eine monatelange Debatte über Kuratierung, Verantwortung und Kunstfreiheit folgte.
Digital und künstlich
Mit dem Internet entstanden neue Formen, von der Netzkunst der 1990er-Jahre bis zu Werken, die nur als Datei existieren. Im März 2021 versteigerte Christie’s eine digitale Collage des Künstlers Beeple als NFT für rund 69 Millionen Dollar. Seitdem wird auch über Bilder gestritten, die mit künstlicher Intelligenz entstehen: Wer ist ihr Urheber, wem gehören die Bilder, aus denen eine Maschine lernt, und was bleibt vom Künstler, wenn die Maschine malt?
Warum sie uns angeht
Gegenwartskunst kann verwirren, weil sie keine einheitliche Sprache spricht. Gerade darin liegt ihre Stärke. Sie verhandelt in Echtzeit, was uns beschäftigt: Klima, Migration, Identität, Technologie, Macht. Wer ihr begegnet, muss nicht wissen, ob ein Werk „gut“ ist, sondern darf fragen, was es mit einem selbst macht. Und genau das war von Anfang an ihr Anspruch.
Zum Weiterlesen
- Terry Smith: What Is Contemporary Art? (2009).
- Claire Bishop: Artificial Hells. Participatory Art and the Politics of Spectatorship (2012).
- Nicolas Bourriaud: Esthétique relationnelle (1998).