Glossar

Malerei oder Skulptur, die nichts Gegenständliches mehr darstellt, sondern mit Farbe, Form und Linie für sich arbeitet. Als Pionier gilt Wassily Kandinsky um 1910–1913. Die Schwedin Hilma af Klint malte allerdings schon ab 1906 abstrakte Bilder, die erst Jahrzehnte nach ihrem Tod bekannt wurden.

Mehr zur Epoche: Expressionismus →

Eine Malweise des Abstrakten Expressionismus, bei der der Malvorgang selbst zum Thema wird. Den Begriff prägte der Kritiker Harold Rosenberg 1952. Jackson Pollock legte seine Leinwände auf den Boden und ließ die Farbe aus Dosen und von Stöcken darauf tropfen und schleudern.

Mehr zur Epoche: Abstrakter Expressionismus →Siehe auch: Farbfeldmalerei, Tachismus, Informel

Eine staatliche Schule für Künstler. Die erste entstand 1563 in Florenz, die einflussreichste war die Pariser Académie royale von 1648. In München gibt es die Akademie der Bildenden Künste seit 1808. Ausgebildet wurde jahrhundertelang streng nach Regeln: zuerst Zeichnen nach Gipsabgüssen antiker Statuen, dann nach dem lebenden Modell.

Siehe auch: Salon, Aktmalerei, Gattungshierarchie

Die Darstellung des unbekleideten menschlichen Körpers, seit der Antike ein Hauptthema der Kunst. An den Akademien war das Zeichnen nach dem lebenden Modell jahrhundertelang Grundlage der Ausbildung. Wo der Akt nicht mythologisch verkleidet war, löste er oft Skandale aus, etwa 1865 Édouard Manets „Olympia“.

Mehr zur Epoche: Renaissance →Siehe auch: Kontrapost, Salon

Italienisch für „auf das erste Mal“: ein Bild in einer einzigen Sitzung nass in nass malen, ohne Untermalung und ohne Trocknungspausen. Die Impressionisten nutzten die Technik, um das flüchtige Licht vor dem Motiv festzuhalten.

Mehr zur Epoche: Impressionismus →Siehe auch: Pleinairmalerei, Impasto

Kunst, die bewusst fremde Bilder übernimmt, abfotografiert oder kopiert und dadurch Fragen nach Originalität und Autorschaft stellt. Bekannt wurde sie ab Ende der 1970er-Jahre, etwa mit Sherrie Levines Abfotografien berühmter Fotografien. Rechtlich ist sie oft umstritten.

Mehr zur Epoche: Pop Art →Siehe auch: Readymade

Malerei mit wasserlöslichen Farben, die mit Gummi arabicum gebunden sind. Die Farben sind lasierend, also durchscheinend, und das Weiß kommt meist vom Papier selbst. Meister der Technik waren unter anderem Albrecht Dürer und William Turner.

Siehe auch: Gouache, Lasur

Ein Ätzverfahren für flächige Grautöne statt Linien. Die Kupferplatte wird mit feinem Harzstaub bestreut und erwärmt, dann frisst die Säure zwischen den Körnchen. Je länger sie wirkt, desto dunkler wird der Ton. Meisterhaft nutzte Francisco de Goya die Technik in seinen „Caprichos“ von 1799.

Siehe auch: Radierung, Kaltnadel

Ein dreidimensionales Werk aus gefundenen Alltagsgegenständen, gewissermaßen eine Collage im Raum. Den Begriff verbreitete Jean Dubuffet in den 1950er-Jahren. 1961 widmete ihm das Museum of Modern Art die Ausstellung „The Art of Assemblage“.

Siehe auch: Collage, Readymade

Ein Gegenstand, an dem man eine dargestellte Figur erkennt. Petrus trägt den Schlüssel, die heilige Katharina das Rad, Herkules Keule und Löwenfell. Wer die Attribute kennt, kann viele Heilige, Götter und Allegorien auch ohne Bildtitel bestimmen.

Siehe auch: Ikonografie

Die Zahl der Abzüge einer Druckgrafik oder der Güsse einer Skulptur. Bei Grafiken steht oft eine Nummerierung wie „12/50“, also Blatt 12 von 50. „E. A.“ oder „A. P.“ kennzeichnen Künstlerexemplare außerhalb der Auflage. In Frankreich gelten bei Bronzen höchstens zwölf Güsse als Originale, acht nummerierte und vier Künstlerexemplare.

Siehe auch: Lithografie, Radierung, Wachsausschmelzverfahren, Signatur

Ursprünglich ein militärischer Begriff für die Vorhut einer Armee. Im 19. Jahrhundert wurde er auf Künstler übertragen, die mit neuen Formen der Zeit vorauszugehen beanspruchten. Heute steht er vor allem für die experimentellen Bewegungen der Moderne.

Eine Darstellungsweise, bei der die Größe einer Figur ihre Bedeutung zeigt und nicht ihre Entfernung. Christus oder Maria erscheinen dann viel größer als Heilige oder Stifter. Üblich war das in der Kunst des alten Ägypten und im Mittelalter, bevor die Linearperspektive sich durchsetzte.

Mehr zur Epoche: Romanik →Siehe auch: Linearperspektive, Stifterbild

Eine Kunstausstellung, die alle zwei Jahre stattfindet. Die älteste und berühmteste ist die Biennale von Venedig, die es seit 1895 gibt. Viele Länder zeigen dort in eigenen Pavillons ihre Künstler. Nach ihrem Vorbild entstanden Biennalen in aller Welt, etwa in São Paulo seit 1951.

Mehr zur Epoche: Gegenwartskunst →Siehe auch: Salon, Installation

Die Darstellung eines bestimmten Menschen, auch Porträt genannt. Es soll Ähnlichkeit zeigen und oft auch Rang und Charakter. Man unterscheidet Kopf-, Brust-, Halbfigur- und Ganzfigurbildnis, dazu das Selbstbildnis. Bis zur Erfindung der Fotografie waren Bildnisaufträge für viele Maler die wichtigste Einnahmequelle.

Mehr zur Epoche: Renaissance →Siehe auch: Gattungshierarchie, Genremalerei

Bilder und Schmuck in handgeschriebenen Büchern, auch Illumination genannt: ganzseitige Bilder, verzierte Anfangsbuchstaben, sogenannte Initialen, und Randschmuck. Gemalt wurde mit Deckfarben, oft mit Gold, auf Pergament. Im Mittelalter entstanden die meisten Handschriften in den Schreibstuben der Klöster. Mit dem Buchdruck ab der Mitte des 15. Jahrhunderts verlor die Buchmalerei allmählich ihre Bedeutung.

Mehr zur Epoche: Insulare Kunst →Siehe auch: Goldgrund, Tempera

Ein Spiel der Surrealisten: Mehrere Personen schreiben oder zeichnen nacheinander auf ein gefaltetes Blatt, ohne zu sehen, was die anderen beigetragen haben. Der Name stammt aus dem ersten so entstandenen Satz: „Le cadavre exquis boira le vin nouveau“, der köstliche Leichnam wird den neuen Wein trinken.

Mehr zur Epoche: Surrealismus →Siehe auch: Frottage, Collage

Lateinisch für „dunkle Kammer“: Durch ein kleines Loch fällt Licht in einen dunklen Raum oder Kasten und wirft ein auf dem Kopf stehendes Bild der Außenwelt an die Wand. Maler nutzten sie als Zeichenhilfe. Ob Jan Vermeer mit ihr arbeitete, ist in der Forschung umstritten.

Siehe auch: Linearperspektive

Italienisch für „hell-dunkel“: starke Kontraste zwischen Licht und Schatten, die Körpern Plastizität geben. Leonardo da Vinci setzte das Prinzip fein abgestuft ein, Caravaggio steigerte es zu dramatischen Lichtkegeln vor fast schwarzem Grund.

Siehe auch: Sfumato

Vom französischen „coller“, kleben: ein Bild, in das fremde Materialien wie Papier, Stoff oder Zeitungsausschnitte eingeklebt sind. Als erste Collage der Kunstgeschichte gilt Pablo Picassos „Stillleben mit Rohrstuhlgeflecht“ von 1912.

Mehr zur Epoche: Kubismus →Siehe auch: Papier collé, Assemblage

Das feine Netz aus Rissen, das sich mit der Zeit in Farbschicht und Firnis eines Gemäldes bildet, etwa durch Alterung oder Bewegungen des Bildträgers. Sein Muster kann bei der Prüfung der Echtheit helfen. Fälscher haben immer wieder versucht, es künstlich zu erzeugen.

Siehe auch: Firnis, Zuschreibung, Doublierung

Ein Bild aus zwei zusammengehörigen Tafeln, oft mit Scharnieren verbunden. Im Mittelalter diente es meist der privaten Andacht, wie das Wilton-Diptychon in der National Gallery in London. Andy Warhol griff die Form 1962 im „Marilyn Diptych“ auf.

Siehe auch: Triptychon

Ein Verfahren der Gemälderestaurierung: Auf die Rückseite einer geschwächten oder eingerissenen Leinwand wird eine zweite Leinwand geklebt, die das Original stützt. Früher verwendete man dafür Leim-Kleister-Gemische, später Wachs-Harz-Massen, heute meist synthetische Klebstoffe. Weil eine Doublierung die Oberfläche verändern kann, etwa pastose Farbe flach drückt, und sich schwer rückgängig machen lässt, wird sie heute zurückhaltender eingesetzt als noch vor einigen Jahrzehnten. Oft genügt es, nur die Ränder zu verstärken, die sogenannte Randanstückelung. Wird eine ältere Doublierung ersetzt, spricht man von Redoublierung.

Siehe auch: Craquelé, Firnis, Impasto

Die sichtbare Pinselführung in einem Gemälde: Richtung, Breite und Druck der Striche. Der Duktus gilt als Handschrift eines Malers und hilft bei der Zuschreibung. Besonders ausgeprägt ist er etwa bei Vincent van Gogh, dessen wirbelnde Striche man auf den ersten Blick erkennt.

Mehr zur Epoche: Post-Impressionismus →Siehe auch: Impasto, Alla prima, Zuschreibung

Malerei mit Farben aus heißem, flüssigem Wachs. Die Technik stammt aus der Antike. Die bekanntesten Beispiele sind die Mumienporträts aus dem Fayum in Ägypten, entstanden etwa im 1. bis 3. Jahrhundert. In der Moderne griff sie unter anderem Jasper Johns für seine Flaggenbilder wieder auf.

Mehr zur Epoche: Antike →Siehe auch: Tempera, Pigment

Ein Kampfbegriff der Nationalsozialisten gegen die moderne Kunst. 1937 beschlagnahmten sie in deutschen Museen Tausende Werke, etwa von Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Max Beckmann und Paul Klee. Im selben Jahr zeigten sie eine Auswahl in München in der Femeausstellung „Entartete Kunst“, um sie lächerlich zu machen. Viele Werke wurden verkauft oder zerstört.

Mehr zur Epoche: Expressionismus →Siehe auch: Avantgarde, Provenienz

Eine Richtung der abstrakten Malerei, die in den 1950er Jahren in New York entstand. Große, ruhige Flächen aus einer oder wenigen Farben füllen die Leinwand und sollen den Betrachter ganz umfangen. Zu ihren Hauptvertretern zählen Mark Rothko, Barnett Newman und Clyfford Still.

Mehr zur Epoche: Abstrakter Expressionismus →Siehe auch: Action Painting, Monochromie, Abstraktion

Eine Pariser Malerbewegung um Henri Matisse und André Derain, die ab 1905 mit leuchtenden, ungemischten Farben arbeitete. Der Kritiker Louis Vauxcelles nannte die Maler beim Salon d’Automne 1905 „Fauves“, wilde Tiere. Der Fauvismus gilt als wichtiger Vorläufer des Expressionismus.

Mehr zur Epoche: Expressionismus →

Eine Stelle, an der Farbe, Grundierung oder sogar der Bildträger verloren gegangen ist, etwa durch Abplatzen, Risse oder alte Eingriffe. Fehlstellen werden in der Restaurierung meist zuerst gekittet und dann retuschiert. Wie weit man sie schließt, ist eine Abwägung: Kleine Fehlstellen werden oft unauffällig ergänzt, große bleiben manchmal sichtbar, um nichts zu erfinden.

Siehe auch: Kittung, Retusche, Tratteggio

Das Wiederbefestigen loser oder aufstehender Farbe auf ihrem Untergrund. Ein Klebemittel, etwa Störleim oder ein Kunstharz, wird unter die gelockerten Schollen gebracht, die dann meist mit leichter Wärme und vorsichtigem Druck niedergelegt werden. Die Festigung gehört zu den dringendsten Maßnahmen, weil sie den Verlust von Originalsubstanz verhindert.

Siehe auch: Schüsselbildung, Craquelé, Konservierung

Eine durchsichtige Schutzschicht, die auf das fertige Gemälde aufgetragen wird. Sie lässt die Farben satter wirken, vergilbt aber mit der Zeit. Restauratoren nehmen gealterten Firnis deshalb oft ab und ersetzen ihn.

Siehe auch: Craquelé

Ein Altaraufsatz mit beweglichen Flügeln, die an Werktagen geschlossen und an Festtagen geöffnet wurden. So zeigt er je nach Kirchenjahr verschiedene Bilder. Berühmt sind der Genter Altar der Brüder van Eyck von 1432 und der Isenheimer Altar von Matthias Grünewald.

Mehr zur Epoche: Gotik →Siehe auch: Triptychon, Diptychon, Stifterbild

Ein Bild, das aus ausgeschnittenen Fotografien zusammengesetzt wird. Die Berliner Dadaisten machten die Technik um 1918/19 zur Kunstform, vor allem Hannah Höch, Raoul Hausmann und John Heartfield. Heartfield nutzte sie später für scharfe politische Satire gegen die Nationalsozialisten.

Mehr zur Epoche: Dada →Siehe auch: Collage, Papier collé

Wandmalerei auf frischem, noch feuchtem Kalkputz, von italienisch „fresco“, frisch. Beim Trocknen verbinden sich die Pigmente fest mit dem Putz. Weil nur feuchte Flächen bemalt werden können, arbeitet der Maler in Tagwerken. Berühmtestes Beispiel ist Michelangelos Decke der Sixtinischen Kapelle (1508–1512).

Siehe auch: Pigment, Tempera

Von französisch „frotter“, reiben. Man legt Papier auf eine strukturierte Fläche wie Holz, Stoff oder Blätter und reibt mit einem Stift darüber, bis sich das Muster abzeichnet. Max Ernst entwickelte das Verfahren 1925 als surrealistische Technik, um aus zufälligen Strukturen Bilder entstehen zu lassen.

Mehr zur Epoche: Surrealismus →Siehe auch: Collage, Cadavre exquis

Die Rangordnung der Bildgattungen, wie sie die französische Akademie im 17. Jahrhundert festschrieb: ganz oben die Historienmalerei, dann Porträt, Genremalerei, Landschaft und zuletzt das Stillleben. Die Impressionisten und ihre Vorläufer stellten diese Ordnung infrage.

Mehr zur Epoche: Impressionismus →Siehe auch: Salon, Stillleben

Ein Werk ist gemeinfrei, wenn es keinen Urheberrechtsschutz mehr hat und von allen frei genutzt werden darf. In Deutschland und der EU erlischt der Schutz 70 Jahre nach dem Tod des Urhebers, gerechnet ab dem Ende des Todesjahres. Originalgetreue Fotos gemeinfreier Gemälde sind in Deutschland seit 2021 ebenfalls nicht geschützt.

Siehe auch: Provenienz

Die Darstellung von Szenen aus dem Alltag: Menschen bei der Arbeit, beim Essen, Musizieren oder Feiern. Ihre große Blüte erlebte sie in den Niederlanden des 17. Jahrhunderts, etwa bei Jan Steen und Johannes Vermeer. In der Rangordnung der Akademien stand sie weit unter der Historienmalerei.

Mehr zur Epoche: Barock →Siehe auch: Historienmalerei, Gattungshierarchie, Stillleben

Ein Teilungsverhältnis von etwa 1 : 1,618, bei dem sich der kleinere Teil zum größeren verhält wie der größere zum Ganzen. Luca Pacioli widmete ihm 1509 ein Buch mit Zeichnungen von Leonardo da Vinci. Dass Künstler ihre Bilder danach aufbauten, wird allerdings oft überschätzt.

Mehr zur Epoche: Renaissance →Siehe auch: Linearperspektive

Hintergrund eines Bildes aus Blattgold statt aus Landschaft oder Raum. Er steht für das himmlische Licht und hebt die Figuren aus der irdischen Welt heraus. Typisch ist er für byzantinische Mosaiken und Ikonen sowie für die Tafelmalerei der Gotik. In der Renaissance wich er dem gemalten Himmel und der Perspektive; Gustav Klimt griff ihn um 1900 wieder auf.

Mehr zur Epoche: Byzantinische Kunst →Siehe auch: Mosaik, Ikone, Tempera

Eine Wasserfarbe, der Weißpigment oder Kreide beigemischt ist. Anders als Aquarell deckt sie, trocknet matt und lässt sich auch auf dunklem Grund einsetzen. Henri Matisse malte damit die Papiere für seine späten Scherenschnitte.

Siehe auch: Aquarell

Malerei ganz in Grau- oder Brauntönen, die oft wie gemalte Skulptur wirkt. Man findet sie etwa auf den Außenflügeln spätmittelalterlicher Altäre wie dem Genter Altar. Sie diente außerdem als Untermalung oder als Vorlage für Kupferstecher.

Siehe auch: Triptychon

Die Schicht zwischen Bildträger und Farbe, etwa aus Kreide oder Gips und Leim. Sie macht die Oberfläche glatt und saugfähig. Ihre Farbe prägt das ganze Bild: Die Alten Meister arbeiteten oft auf dunklen, die Impressionisten auf hellen Gründen.

Mehr zur Epoche: Impressionismus →Siehe auch: Lasur

Die unverwechselbare persönliche Art, in der ein Künstler malt oder zeichnet. Dazu gehören sein Duktus, seine Farbwahl, typische Motive und kleine Eigenheiten, etwa wie er Hände, Augen oder Blätter formt. Der Stil verbindet viele Künstler einer Zeit, die Handschrift unterscheidet sie voneinander: Monet und Pissarro malten beide impressionistisch, aber man erkennt sie auseinander. Die Handschrift ist darum der wichtigste Anhaltspunkt bei der Zuschreibung, und genau sie versuchen Fälscher zu treffen. Der 2011 verurteilte Wolfgang Beltracchi kopierte keine Bilder, sondern malte neue „im Geist“ von Künstlern wie Max Ernst oder Heinrich Campendonk.

Siehe auch: Duktus, Zuschreibung, Werkverzeichnis, Provenienz

Bilder mit Themen aus Geschichte, Mythologie, Bibel und Literatur, oft in großem Format. In der Rangordnung der europäischen Akademien galt sie bis ins 19. Jahrhundert als höchste Gattung. Realisten wie Gustave Courbet stellten diesen Anspruch infrage, indem sie Alltagsszenen in historischem Format malten.

Siehe auch: Gattungshierarchie, Genremalerei, Salon

Die Vorliebe des 19. Jahrhunderts, Stile früherer Epochen wieder aufzugreifen: Neugotik, Neorenaissance, Neubarock. Er prägte vor allem Architektur und Kunsthandwerk, etwa die Wiener Ringstraße oder die Vollendung des Kölner Doms 1880. Jugendstil und Moderne wandten sich bewusst gegen diese Stilmischung.

Siehe auch: Akademie

Das älteste Hochdruckverfahren: Aus einer Holzplatte wird alles herausgeschnitten, was nicht drucken soll. Albrecht Dürer machte den Holzschnitt um 1500 zur hohen Kunst. Die japanischen Farbholzschnitte und die Künstler der Brücke gaben ihm später neue Kraft.

Mehr zur Epoche: Expressionismus →Siehe auch: Radierung, Japonismus

Ein Kultbild der orthodoxen Kirche, meist in Tempera auf Holz gemalt, oft auf Goldgrund. Ikonen zeigen Christus, Maria oder Heilige nach festen Vorbildern, denn sie gelten als Fenster zum Heiligen und nicht als freie Erfindung des Malers. Berühmt ist die Dreifaltigkeitsikone von Andrej Rubljow aus der Zeit um 1420.

Siehe auch: Tempera, Ikonografie

Die Lehre von den Bildinhalten und ihren Symbolen: Was ist dargestellt, und was bedeutet es? Ein Totenschädel steht etwa für die Vergänglichkeit, ein Schlüssel für den Apostel Petrus. Erwin Panofsky entwickelte 1939 ein einflussreiches Modell, um Bilder in mehreren Schritten zu deuten.

Siehe auch: Vanitas

Die Farbe wird so dick aufgetragen, dass Pinselspuren oder Spachtelkanten plastisch auf der Leinwand stehen bleiben. Rembrandt nutzte das für Lichtreflexe, Vincent van Gogh machte den pastosen Strich zu seinem Markenzeichen.

Siehe auch: Alla prima, Lasur

Eine Strömung der abstrakten Malerei nach 1945, die auf feste Formen verzichtet und den spontanen, gestischen Malprozess betont. Den Begriff verbreitete der französische Kritiker Michel Tapié Anfang der 1950er-Jahre. In Deutschland gehörten K. O. Götz und Emil Schumacher zu den wichtigsten Vertretern. Die Gruppe Zero verstand sich als Gegenbewegung.

Siehe auch: Abstraktion, Monochromie

Eine Untersuchungsmethode, die mit infrarotem Licht durch viele Farbschichten hindurchsieht. Besonders gut sichtbar wird eine Unterzeichnung mit kohlenstoffhaltigem Material wie Kohle oder schwarzer Tusche. So lassen sich Entwurfslinien, Korrekturen und Pentimenti erkennen, die unter der fertigen Malerei verborgen sind.

Siehe auch: Pentimento, Röntgenaufnahme, Grundierung

Die gemalte Hautfarbe in einem Bild, von lateinisch „caro“, Fleisch. Ein überzeugendes Inkarnat galt als Prüfstein der Malkunst. Italienische Maler des 14. Jahrhunderts legten unter die Haut eine grünliche Schicht, die das Rosa lebendiger wirken lässt. Tizian und Rubens erreichten mit vielen Lasuren ein fast leuchtendes Fleisch.

Siehe auch: Lasur, Untermalung, Kolorit

Ein Kunstwerk, das einen ganzen Raum gestaltet, den die Betrachter betreten und körperlich erleben. Als Vorläufer gilt Kurt Schwitters’ „Merzbau“ in Hannover. Seit den 1970er-Jahren ist die Installation eine der wichtigsten Formen der Gegenwartskunst.

Mehr zur Epoche: Gegenwartskunst →Siehe auch: Performance

Darstellung eines Innenraums, meist mit Menschen bei ruhigen, alltäglichen Tätigkeiten. Die holländischen Maler des 17. Jahrhunderts wie Johannes Vermeer und Pieter de Hooch machten das Interieur zur eigenen Bildgattung. Um 1900 wurde es wieder zum Lieblingsthema, etwa bei Vilhelm Hammershøi oder in der Münchner Secession.

Mehr zur Epoche: Barock →Siehe auch: Genremalerei, Stillleben

Die Begeisterung für japanische Kunst in Europa nach der Öffnung Japans in den 1850er-Jahren. Farbholzschnitte mit flächigen Farben, angeschnittenen Motiven und ungewohnten Blickwinkeln prägten Monet, Degas und Van Gogh, der Werke von Hiroshige kopierte.

Mehr zur Epoche: Impressionismus →Siehe auch: Holzschnitt

Ein Tiefdruckverfahren, bei dem die Linien mit einer harten Stahlnadel direkt in eine Kupferplatte geritzt werden, ganz ohne Säure. Am Rand der Linie bleibt ein Grat stehen, der beim Drucken weiche, samtige Striche ergibt. Weil der Grat schnell abnutzt, sind nur wenige gute Abzüge möglich. Rembrandt verband die Kaltnadel gern mit der Radierung.

Siehe auch: Radierung, Kupferstich, Auflage

Der Holzrahmen, auf den die Leinwand eines Gemäldes gespannt ist. Anders als der starre Spannrahmen hat er in den Ecken Schlitze für kleine Holzkeile. Treibt man die Keile nach, weitet sich der Rahmen ein wenig, und eine erschlaffte Leinwand lässt sich nachspannen. Keilrahmen sind seit dem 18. Jahrhundert verbreitet.

Siehe auch: Doublierung, Grundierung, Ölmalerei

Kunst, die sich tatsächlich bewegt, durch Motoren, Luft oder die Berührung der Betrachter, oder die Bewegung durch Licht erzeugt. Frühe Beispiele sind Naum Gabos „Kinetische Konstruktion“ von 1919–1920 und die Mobiles von Alexander Calder. In den 1950er- und 1960er-Jahren arbeiteten unter anderem Jean Tinguely und die Gruppe Zero damit.

Mehr zur Epoche: Zero →Siehe auch: Monochromie, Installation

Das Auffüllen einer Fehlstelle bis auf die Höhe der umgebenden Farbschicht, meist mit einer Masse aus Kreide und Leim oder mit modernen Füllstoffen. Oft wird die Oberfläche der Kittung so gestaltet, dass sie Pinselduktus oder Leinwandstruktur der Umgebung aufnimmt. Auf die Kittung folgt in der Regel die Retusche.

Siehe auch: Fehlstelle, Retusche, Grundierung

Zeichnung mit verkohlten Zweigen, etwa von Weide oder Rebe, oder mit gepresster Kohle. Kohle ist weich, lässt sich leicht verwischen und ergibt tiefe Schwarztöne. Sie eignet sich für Skizzen und Vorstudien, muss aber fixiert werden. Um 1900 wurde die Kohlezeichnung zu einer eigenständigen Kunstform, etwa bei Käthe Kollwitz.

Siehe auch: Radierung, Lithografie

Die Gesamtwirkung der Farben in einem Bild. Ein Kolorist ist ein Maler, für den die Farbe wichtiger ist als die Zeichnung. Um 1670 stritt die Pariser Akademie darüber, was mehr zählt: Die Anhänger von Nicolas Poussin setzten auf die Zeichnung, die von Peter Paul Rubens auf die Farbe.

Mehr zur Epoche: Barock →Siehe auch: Lasur, Impasto

Farben, die sich im Farbkreis gegenüberliegen: Rot und Grün, Blau und Orange, Gelb und Violett. Nebeneinander steigern sie sich gegenseitig zu größter Leuchtkraft, gemischt ergeben sie ein trübes Grau. Eugène Delacroix und später Vincent van Gogh setzten solche Kontraste gezielt ein.

Mehr zur Epoche: Post-Impressionismus →Siehe auch: Pointillismus, Kolorit

Alle Maßnahmen, die ein Kunstwerk in seinem bestehenden Zustand erhalten und weiteren Verfall aufhalten, etwa das Festigen lockerer Farbe oder ein stabiles Raumklima. Davon unterscheidet man die Restaurierung, die darüber hinausgeht und ein beschädigtes Werk wieder lesbar macht, zum Beispiel durch Reinigung, Kittung und Retusche. In der Praxis greifen beide ineinander.

Siehe auch: Festigung, Reversibilität, Retusche

Eine Standhaltung, bei der das Gewicht auf einem Bein ruht, während das andere entlastet ist. Hüfte und Schultern neigen sich dadurch gegenläufig, und die Figur wirkt lebendig. Entwickelt wurde der Kontrapost in der griechischen Klassik, etwa beim Speerträger des Polyklet.

Eine Gemeinschaft von Künstlern, die sich in einem ländlichen Ort niederlassen, um gemeinsam in der Natur zu arbeiten. Vorbild war das Dorf Barbizon bei Paris ab den 1830er Jahren. In Deutschland wurden Worpswede bei Bremen, gegründet 1889, und Dachau bei München besonders bekannt.

Mehr zur Epoche: Impressionismus →Siehe auch: Pleinairmalerei, Secession

Ein bürgerlicher Verein zur Förderung der Kunst, typisch für Deutschland. Die ersten entstanden im frühen 19. Jahrhundert, etwa in München 1823 und Frankfurt 1829. Die Mitglieder zahlten einen Beitrag, dafür zeigten die Vereine Ausstellungen und verlosten angekaufte Werke unter den Mitgliedern. Bis heute gibt es Hunderte Kunstvereine, die meisten zeigen Gegenwartskunst.

Siehe auch: Salon, Mäzen

Ein Tiefdruckverfahren, bei dem der Künstler die Linien mit einem Grabstichel direkt in eine Kupferplatte schneidet. Die Farbe sammelt sich in den Rillen und wird unter hohem Druck auf das Papier übertragen. Ein berühmtes Beispiel ist Albrecht Dürers „Melencolia I“ von 1514.

Mehr zur Epoche: Renaissance →Siehe auch: Radierung, Holzschnitt, Auflage

Kunst, die in der Landschaft selbst entsteht, oft fern von Museen und in gewaltigen Maßstäben. Die Bewegung kam Ende der 1960er Jahre in den USA auf. Das bekannteste Werk ist Robert Smithsons „Spiral Jetty“ von 1970, eine Spirale aus Steinen und Erde im Großen Salzsee in Utah.

Mehr zur Epoche: Minimal Art und Konzeptkunst →Siehe auch: Installation

Eine dünne, durchscheinende Farbschicht über einer bereits getrockneten Schicht. Mehrere Lasuren übereinander erzeugen tiefe, leuchtende Farben, weil das Licht durch sie hindurch reflektiert wird. Die Altniederländer wie Jan van Eyck beherrschten die Technik meisterhaft.

Siehe auch: Ölmalerei, Impasto

Ein Verfahren, Raum auf einer Fläche darzustellen: Parallele Linien laufen auf einen Fluchtpunkt zu, Dinge werden mit der Entfernung kleiner. Filippo Brunelleschi führte es um 1420 in Florenz vor, Leon Battista Alberti beschrieb es 1435. Der Kubismus brach als einer der ersten radikal mit diesem System.

Mehr zur Epoche: Kubismus →Siehe auch: Camera obscura

Ein Flachdruckverfahren, das Alois Senefelder um 1796–1798 in München erfand. Der Künstler zeichnet mit fetthaltiger Kreide oder Tusche auf einen Kalkstein. Weil Fett und Wasser sich abstoßen, nimmt beim Drucken nur die Zeichnung die Farbe an. Henri de Toulouse-Lautrec machte die Farblithografie mit seinen Plakaten berühmt.

Siehe auch: Radierung, Siebdruck, Auflage

Eine Person, die Kunst und Künstler mit Geld fördert, ohne direkt eine Gegenleistung zu verlangen. Der Begriff geht auf den Römer Gaius Maecenas zurück, der die Dichter Vergil und Horaz unterstützte. Bekannte Mäzene der Renaissance waren die Medici in Florenz.

Mehr zur Epoche: Renaissance →Siehe auch: Provenienz

Die Verbindung verschiedener Malmittel in einem Werk. Seit dem 15. Jahrhundert malten Künstler oft eine Untermalung in Tempera und legten darüber Lasuren in Öl. In der Moderne meint Mischtechnik meist die freie Kombination ganz unterschiedlicher Materialien, von Acryl über Kreide bis zur Collage.

Siehe auch: Tempera, Ölmalerei, Collage

Malerei in einer einzigen Farbe. Kasimir Malewitschs „Schwarzes Quadrat“ von 1915 gilt als frühes Schlüsselwerk. In den 1950er- und 1960er-Jahren wurde die Monochromie zu einem zentralen Mittel, etwa bei Yves Klein mit seinem eigenen Blau, bei Piero Manzoni und in der Gruppe Zero.

Mehr zur Epoche: Zero →Siehe auch: Abstraktion, Kinetische Kunst

Ein Druck, von dem es nur ein einziges Exemplar gibt. Der Künstler malt mit Farbe auf eine glatte Platte und drückt das Bild dann auf Papier ab. Erfunden hat das Verfahren im 17. Jahrhundert Giovanni Benedetto Castiglione. Edgar Degas schuf Hunderte Monotypien und überarbeitete viele davon mit Pastell.

Siehe auch: Pastell, Auflage

Bild aus vielen kleinen Steinen, Glas- oder Keramikwürfeln, den Tesserae, die in Mörtel gesetzt werden. In der Antike schmückten Mosaiken vor allem Fußböden, in der byzantinischen Kunst Wände und Kuppeln. Goldene Tesserae enthalten echtes Blattgold zwischen zwei Glasschichten; leicht schräg gesetzt, werfen sie das Licht zurück. Berühmte Beispiele sind das Alexandermosaik aus Pompeji und die Mosaiken von Ravenna.

Mehr zur Epoche: Byzantinische Kunst →Siehe auch: Goldgrund, Ikone

Malerei mit Pigmenten, die in trocknenden Ölen wie Leinöl gebunden sind. Die Farben trocknen langsam, lassen sich vermalen und schichten. Jan van Eyck hat die Ölmalerei nicht erfunden, wie oft behauptet wird, aber im 15. Jahrhundert zu neuer Perfektion gebracht.

Siehe auch: Lasur, Tempera, Pigment

Französisch für „geklebtes Papier“: eine Collage, die nur aus aufgeklebten Papierstücken besteht, oft kombiniert mit Zeichnung. Georges Braque schuf im September 1912 das erste Papier collé mit Tapete in Holzmaserung.

Mehr zur Epoche: Kubismus →Siehe auch: Collage

Ein Karton mit einem ausgeschnittenen Fenster, der eine Zeichnung, Grafik oder Fotografie im Rahmen umgibt. Er schafft Abstand zwischen Werk und Glas, schützt das Papier und gibt dem Bild Raum. Für wertvolle Arbeiten verwendet man säurefreien Karton.

Siehe auch: Konservierung

Malen mit Pastellkreiden: Stifte aus fast reinem Pigment und wenig Bindemittel, die trocken aufgetragen werden. So entstehen samtige, matte und leuchtende Farben. Pastelle sind empfindlich und werden deshalb fixiert und unter Glas gerahmt. Berühmt sind die Bildnisse von Rosalba Carriera im 18. Jahrhundert und die Tänzerinnen von Edgar Degas.

Mehr zur Epoche: Impressionismus →Siehe auch: Pigment, Gouache, Aquarell

Die Oberflächenschicht, die sich mit der Zeit auf Materialien bildet, besonders die grüne oder braune Schicht auf Bronze. Bildhauer erzeugen Patina oft auch gezielt mit Chemikalien. Im übertragenen Sinn steht das Wort für die Spuren des Alters an einem Objekt.

Italienisch für „Reue“: eine Änderung, die der Künstler selbst während der Arbeit vorgenommen hat, etwa eine verschobene Hand oder ein übermalter Gegenstand. Weil Ölfarbe mit den Jahrhunderten durchscheinender wird, treten solche früheren Fassungen manchmal mit bloßem Auge hervor. Häufiger machen Infrarotreflektografie und Röntgenaufnahme sie sichtbar. Pentimenti gelten als Hinweis auf eigenhändige Arbeit und spielen bei der Zuschreibung eine Rolle.

Siehe auch: Infrarotreflektografie, Röntgenaufnahme, Zuschreibung

Kunst, bei der eine Handlung vor Publikum das Werk ist, meist mit dem Körper der Künstlerin oder des Künstlers. Wurzeln liegen im Futurismus und im Dada, etwa im Zürcher Cabaret Voltaire von 1916. Seit den 1960er-Jahren ist Performance eine eigenständige Kunstform, mit Vertreterinnen wie Marina Abramović.

Mehr zur Epoche: Gegenwartskunst →Siehe auch: Installation

Ein Regenerierverfahren, das der Münchner Chemiker Max von Pettenkofer 1863 vorstellte: Gemälde mit trüb gewordenem Firnis wurden Alkoholdämpfen ausgesetzt, worauf der Firnis wieder klar wurde. Das Verfahren wurde vor allem in den bayerischen Staatssammlungen viel angewandt, später oft zusammen mit Kopaivabalsam. Dieser Balsam konnte die Malschicht auf Dauer erweichen, weshalb Restauratoren die Behandlung heute kritisch sehen.

Siehe auch: Firnis, Konservierung, Craquelé

Ein farbgebendes Pulver, das sich im Bindemittel nicht löst, sondern fein darin verteilt wird. Erst das Bindemittel macht daraus Öl-, Tempera- oder Aquarellfarbe. Ultramarin wurde früher kostbar aus Lapislazuli gewonnen, seit dem 19. Jahrhundert gibt es es synthetisch.

Siehe auch: Ölmalerei, Tempera

Malerei im Freien, direkt vor dem Motiv, von französisch „en plein air“, unter freiem Himmel. Möglich wurde sie im großen Stil durch Farben in Tuben und tragbare Staffeleien. Wegbereiter waren die Maler von Barbizon, zur Methode machten sie die Impressionisten.

Mehr zur Epoche: Impressionismus →Siehe auch: Alla prima

Eine Maltechnik aus kleinen Punkten reiner Farbe, die sich erst im Auge der Betrachter zu Mischtönen verbinden. Entwickelt wurde sie in den 1880er-Jahren von Georges Seurat und Paul Signac. Signac selbst sprach lieber von Divisionismus.

Mehr zur Epoche: Impressionismus →Siehe auch: Rasterpunkt

Die Herkunft eines Kunstwerks, also die lückenlose Kette seiner Besitzer von der Entstehung bis heute. Sie ist wichtig für Echtheit und Wert und für die Frage, ob ein Werk unrechtmäßig entzogen wurde, etwa in der NS-Zeit. Die Washingtoner Prinzipien von 1998, eine rechtlich nicht bindende Selbstverpflichtung, rufen Museen dazu auf, nach solcher Raubkunst zu suchen.

Siehe auch: Zuschreibung, Werkverzeichnis

Eine nackte, pausbäckige Kinderfigur, oft mit Flügeln. Die Putten gehen auf die Liebesgötter der Antike zurück und kamen in der Renaissance wieder in Mode, etwa bei Donatello. Am berühmtesten sind wohl die beiden Putten am unteren Rand von Raffaels „Sixtinischer Madonna“ in Dresden.

Mehr zur Epoche: Renaissance →Siehe auch: Attribut

Ein Tiefdruckverfahren: Der Künstler zeichnet mit einer Nadel in eine säurefeste Schicht auf einer Metallplatte. Säure ätzt die freigelegten Linien in das Metall, die dann Farbe aufnehmen. Rembrandt war einer der großen Meister der Radierung.

Siehe auch: Holzschnitt

Ein Druckverfahren, bei dem Farbtöne aus vielen kleinen Punkten unterschiedlicher Größe oder Dichte entstehen. Roy Lichtenstein vergrößerte diese Punkte des billigen Comicdrucks und machte sie zum Bildmotiv der Pop Art.

Mehr zur Epoche: Pop Art →Siehe auch: Siebdruck, Pointillismus

Ein industriell gefertigter Alltagsgegenstand, den ein Künstler zum Kunstwerk erklärt. Erfunden hat es Marcel Duchamp, etwa mit dem „Fahrrad-Rad“ von 1913 und dem Urinal „Fountain“ von 1917. Das Readymade verlagerte die Frage, was Kunst ist, vom Machen auf das Auswählen.

Mehr zur Epoche: Gegenwartskunst →Siehe auch: Assemblage, Appropriation Art

Eine Skulptur, die mit einem Hintergrund verbunden bleibt und aus einer Fläche hervortritt. Je nachdem, wie stark die Formen hervortreten, spricht man von Flach- oder Hochrelief. Ein Meisterwerk der Renaissance sind Lorenzo Ghibertis vergoldete Bronzetüren am Baptisterium in Florenz, die Michelangelo der Überlieferung nach „Paradiespforte“ nannte.

Mehr zur Epoche: Renaissance →Siehe auch: Wachsausschmelzverfahren

Ein dunkler Gegenstand am vorderen Bildrand, etwa ein Baum, eine Figur oder ein Vorhang, der den Blick in die Tiefe lenkt. Der Name kommt vom französischen „repousser“, zurückstoßen. Claude Lorrain rahmte seine Landschaften gern mit Bäumen auf beiden Seiten.

Mehr zur Epoche: Barock →Siehe auch: Rückenfigur, Linearperspektive

Das farbliche Schließen einer Fehlstelle, damit sie im Gesamtbild nicht mehr stört. Nach heutigem Verständnis bleibt die Retusche streng auf die Fehlstelle beschränkt, deckt kein Original zu und wird mit Farben ausgeführt, die sich später wieder entfernen lassen. Je nach Ziel ist sie aus normalem Betrachtungsabstand unsichtbar oder bewusst erkennbar, wie beim Tratteggio.

Siehe auch: Kittung, Tratteggio, Übermalung

Ein Grundsatz der modernen Restaurierung: Jeder Eingriff soll sich später wieder rückgängig machen lassen, ohne das Original zu beschädigen. Deshalb verwendet man für Kittungen und Retuschen Materialien, die sich vom Original unterscheiden und lösbar bleiben. Weil vollständige Umkehrbarkeit selten erreichbar ist, spricht man heute oft vorsichtiger von Entfernbarkeit oder davon, ein Werk künftig erneut behandeln zu können.

Siehe auch: Retusche, Kittung, Doublierung

Eine Durchleuchtung des ganzen Bildes mit Röntgenstrahlen. Sichtbar werden vor allem Schichten mit schweren Elementen, besonders Bleiweiß, aber auch Leinwandstruktur, Nägel, Risse und Fehlstellen. So kommen übermalte frühere Kompositionen zum Vorschein, manchmal sogar ein ganz anderes Bild unter dem sichtbaren.

Siehe auch: Pentimento, Infrarotreflektografie, Übermalung

Eine Figur, die dem Betrachter den Rücken zuwendet und wie er in das Bild hineinblickt. Sie lädt dazu ein, sich an ihre Stelle zu versetzen. Berühmt sind die Rückenfiguren von Caspar David Friedrich, etwa im „Wanderer über dem Nebelmeer“.

Mehr zur Epoche: Romantik →

Die offizielle Kunstausstellung in Paris, benannt nach dem Salon Carré im Louvre, wo sie ab dem 18. Jahrhundert stattfand. Eine Jury entschied über die Zulassung, und Erfolg im Salon bestimmte Karrieren. Gegen seine Macht stellten sich 1874 die Impressionisten mit einer eigenen Ausstellung.

Mehr zur Epoche: Impressionismus →Siehe auch: Gattungshierarchie, Secession

Parallele Linien, mit denen in Zeichnung und Druckgrafik Schatten und Rundungen entstehen. Je dichter die Linien liegen, desto dunkler wirkt die Stelle. Kreuzen sie sich, spricht man von Kreuzschraffur. Albrecht Dürer erreichte in seinen Kupferstichen damit fast malerische Tonwerte.

Siehe auch: Kupferstich, Holzschnitt, Kohlezeichnung

Ein Schadensbild an Gemälden: Die Farbschicht zwischen den Sprüngen des Craquelés wölbt sich an den Rändern auf, sodass die einzelnen Schollen wie kleine Schüsseln aussehen. Ursache sind meist Spannungen durch Alterung und schwankende Luftfeuchtigkeit. Ohne Festigung können die Schollen abplatzen.

Siehe auch: Craquelé, Festigung, Fehlstelle

Von lateinisch „secessio“, Abspaltung: Künstlervereinigungen, die sich um 1900 von etablierten Akademien und Ausstellungsbetrieben trennten. Die wichtigsten entstanden in München (1892), Wien (1897) und Berlin (1898).

Mehr zur Epoche: Expressionismus →Siehe auch: Salon

Italienisch für „verraucht“: weiche, kaum merkliche Übergänge zwischen Licht und Schatten, ganz ohne harte Umrisse. Leonardo da Vinci perfektionierte die Technik, am berühmtesten in der Mona Lisa.

Siehe auch: Chiaroscuro (Helldunkel), Lasur

Ein Druckverfahren, bei dem Farbe durch ein feines Gewebe gedrückt wird, auf dem eine Schablone die nicht druckenden Stellen abdeckt. Andy Warhol übertrug damit ab 1962 Fotografien auf Leinwand und machte das Verfahren aus der Werbung zur Kunsttechnik.

Mehr zur Epoche: Pop Art →Siehe auch: Rasterpunkt

Der Namenszug oder das Zeichen, mit dem Künstler ein Werk kennzeichnen. Albrecht Dürer machte sein Monogramm „AD“ zu einer Art Markenzeichen. Viele ältere Werke sind gar nicht signiert, und eine Signatur allein beweist noch nicht, dass ein Werk echt ist. Fälscher setzen sie oft als Erstes hinzu.

Siehe auch: Zuschreibung, Provenienz, Werkverzeichnis

Kleine Figuren oder Tiere, die eine Landschaft oder Architekturansicht beleben, ohne selbst das Thema zu sein. Sie geben dem Bild Maßstab und Stimmung. In den Niederlanden des 17. Jahrhunderts malten oft Spezialisten die Staffage in die Landschaften anderer Maler, etwa Adriaen van de Velde bei Jacob van Ruisdael.

Mehr zur Epoche: Barock →Siehe auch: Vedute, Genremalerei

Die Darstellung der Person, die ein religiöses Kunstwerk bezahlt hat, im Werk selbst. Stifter knien meist am Bildrand, oft kleiner als die Heiligen, und empfehlen sich so dauerhaft dem Gebet. Ein bekanntes Beispiel sind Joos Vijd und Elisabeth Borluut auf den Außenflügeln des Genter Altars.

Mehr zur Epoche: Altniederländische Malerei →Siehe auch: Flügelaltar, Bedeutungsperspektive, Mäzen

Die Darstellung unbewegter Dinge wie Blumen, Früchte, Speisen oder Gefäße. Der Begriff kommt vom niederländischen „stilleven“ aus dem 17. Jahrhundert, der Blütezeit der Gattung. In der Gattungshierarchie stand das Stillleben ganz unten, und doch wurde es zum Experimentierfeld der Moderne, von Cézanne bis zum Kubismus.

Siehe auch: Vanitas, Gattungshierarchie

Eine Spielart der abstrakten Malerei in Frankreich nach 1945, benannt nach dem französischen Wort „tache“ für Fleck. Farbe wird spontan in Flecken, Spritzern und Kürzeln aufgetragen. Der Tachismus gehört zum Informel, zu seinen Vertretern zählen Wols und Georges Mathieu.

Mehr zur Epoche: Informel →Siehe auch: Action Painting, Abstraktion

Malerei mit Farben, deren Bindemittel eine Emulsion ist, klassisch Eigelb. Tempera trocknet schnell und matt. Bis zur Verbreitung der Ölmalerei im 15. Jahrhundert war sie die wichtigste Technik der europäischen Tafelmalerei. Sandro Botticellis „Geburt der Venus“ ist in Tempera gemalt.

Siehe auch: Ölmalerei, Pigment

Eine Retuschetechnik, bei der eine Fehlstelle mit feinen, senkrechten Strichen in reinen Farben geschlossen wird. Aus der Entfernung verbinden sich die Striche zu einer geschlossenen Fläche, aus der Nähe bleibt die Ergänzung als solche erkennbar. Die Methode wurde Mitte des 20. Jahrhunderts am Istituto Centrale del Restauro in Rom entwickelt.

Siehe auch: Retusche, Fehlstelle, Reversibilität

Ein dreiteiliges Bild, meist mit einer Mitteltafel und zwei Seitenflügeln, die sich schließen lassen. Die Form stammt vom mittelalterlichen Flügelaltar. Ein berühmtes Beispiel ist Hieronymus Boschs „Garten der Lüste“ im Prado in Madrid.

Siehe auch: Diptychon, Grisaille

Französisch für „täuscht das Auge“: eine Malerei, die so wirklichkeitsnah ist, dass man das Dargestellte für echt hält. Schon die Antike erzählte davon: Laut Plinius wollte der Maler Zeuxis einen gemalten Vorhang seines Rivalen Parrhasios beiseiteziehen.

Siehe auch: Linearperspektive

Farbe, die eine fremde Hand später über das Original gelegt hat, etwa um Schäden zu verdecken, ein Motiv dem Zeitgeschmack anzupassen oder ein Bild verkäuflicher zu machen. Übermalungen gehen oft weit über die eigentlichen Fehlstellen hinaus. Restauratoren erkennen sie unter UV-Licht oder im Röntgenbild und nehmen sie ab, wenn das Original darunter erhalten ist. Ändert der Künstler sein Bild selbst, spricht man von einem Pentimento.

Siehe auch: Pentimento, UV-Fluoreszenz, Retusche

Die erste Malschicht auf der Grundierung, die Komposition sowie Hell und Dunkel festlegt, oft in nur einer oder wenigen Farben. Darüber baut der Maler Schicht für Schicht das fertige Bild auf, häufig mit Lasuren. Wo die Farbe später dünn bleibt, schimmert die Untermalung durch und prägt die Wirkung mit.

Siehe auch: Grundierung, Lasur, Grisaille

Eine Untersuchungsmethode, bei der ein Gemälde in abgedunkeltem Raum mit ultraviolettem Licht beleuchtet wird. Gealterter Naturharzfirnis leuchtet dann grünlich, während spätere Retuschen und Übermalungen auf dem Firnis als dunkle Flecken erscheinen. So lässt sich ohne Eingriff erkennen, wo ein Bild schon einmal bearbeitet wurde.

Siehe auch: Firnis, Übermalung, Retusche

Die Helligkeitsstufe einer Farbe im Verhältnis zu den Farben daneben, von französisch „valeur“, Wert. Wer in Valeurs malt, baut ein Bild aus fein abgestuften Tönen auf statt aus starken Kontrasten. Der Begriff ist besonders mit Camille Corot und den Impressionisten verbunden.

Mehr zur Epoche: Impressionismus →Siehe auch: Kolorit, Chiaroscuro (Helldunkel)

Lateinisch für „Nichtigkeit“, nach dem Bibelwort „Alles ist eitel“. Vanitas-Stillleben erinnern mit Totenschädeln, verlöschenden Kerzen, welkenden Blumen oder Sanduhren an die Vergänglichkeit. Besonders verbreitet waren sie in den Niederlanden des 17. Jahrhunderts.

Siehe auch: Stillleben, Ikonografie

Eine genaue, wirklichkeitsgetreue Ansicht einer Stadt oder Landschaft, von italienisch „veduta“, Ansicht. Ihre Blütezeit war das 18. Jahrhundert in Venedig, mit Canaletto und Bernardo Bellotto. Reisende der Grand Tour brachten solche Bilder als Erinnerung mit nach Hause.

Mehr zur Epoche: Barock →Siehe auch: Linearperspektive, Camera obscura

Die feierliche Eröffnung einer Ausstellung. Das Wort kommt vom französischen „vernir“, firnissen: Vor dem Pariser Salon durften die Maler ihre bereits aufgehängten Bilder an einem eigenen Tag noch einmal firnissen und letzte Hand anlegen. Daraus wurde ein gesellschaftliches Ereignis vor der offiziellen Öffnung.

Siehe auch: Firnis, Salon

Ein seit der Antike genutztes Gussverfahren für Bronzeskulpturen. Vom Wachsmodell wird eine Form aus Ton oder Gips gefertigt, das Wachs wird ausgeschmolzen und der Hohlraum mit flüssigem Metall gefüllt. Weil die Form dabei zerstört wird, ist jeder Guss ein Einzelstück, auch wenn mehrere Güsse vom selben Modell entstehen.

Siehe auch: Relief, Auflage, Patina

Ein wissenschaftliches Verzeichnis aller bekannten Werke eines Künstlers, mit Maßen, Technik, Provenienz und Ausstellungen. Ist ein Werk dort verzeichnet, stärkt das seine Zuschreibung und meist auch seinen Marktwert.

Siehe auch: Zuschreibung, Provenienz

Die begründete Zuordnung eines Werks zu einem Künstler, einer Werkstatt oder einer Zeit. Grundlagen sind Stilvergleich, Maltechnik, Provenienz und naturwissenschaftliche Untersuchungen. Zuschreibungen können sich mit neuen Erkenntnissen ändern, wie die Rembrandt-Forschung immer wieder zeigt.

Siehe auch: Werkverzeichnis, Provenienz, Craquelé