Ein Bild, das niemand sehen sollte
Das Atelier liegt im Bateau-Lavoir, einem baufälligen Holzhaus am Montmartre. Dort arbeitet Pablo Picasso 1907 monatelang an einer großen Leinwand: fünf nackte Frauen, kantig, aus scharfen Flächen gebaut, zwei Gesichter wie Masken. Den Titel Les Demoiselles d’Avignon gab ihm erst später der Kritiker André Salmon. Picasso selbst sprach von seinem „Bordell“, gemeint war eine Straße in Barcelona.
Freunde, die das Bild sahen, reagierten ratlos bis entsetzt. Öffentlich zu sehen war es erst 1916. 1939 kam es ins Museum of Modern Art in New York, wo es bis heute als eines der Gründungsdokumente der modernen Kunst gilt. Ein kubistisches Bild im strengen Sinn ist es noch nicht, aber es zerbricht die Regel, nach der ein Bild einen einheitlichen Raum aus einem einzigen Blickwinkel zeigen muss.
Cézanne und die Masken
Zwei Anstöße trafen 1907 zusammen. Der eine war Paul Cézanne, der im Jahr zuvor gestorben war und dem der Salon d’Automne nun eine große Gedenkausstellung widmete. 1904 hatte er an den Maler Émile Bernard geschrieben, man solle die Natur „durch Zylinder, Kugel und Kegel“ behandeln. Seine Landschaften bauten Bildräume aus Farbflächen, nicht aus Perspektive.
Der andere Anstoß kam aus den ethnographischen Sammlungen von Paris. Picasso, Matisse und Derain sahen dort Masken und Skulpturen aus Afrika und Ozeanien, die über koloniale Wege nach Europa gelangt waren. Für die Avantgarde wurden sie zum Gegenbild der akademischen Tradition, als „primitive“ Kunst, wie man damals sagte. Die Forschung sieht dieses Verhältnis heute kritischer: Die Künstler interessierten sich für Formen, kaum für Herkunft, Bedeutung oder die Menschen, die die Objekte geschaffen hatten.
Zwei Bergsteiger am Seil
Georges Braque, ursprünglich ein Fauvist, war von den Demoiselles zunächst irritiert. Im Sommer 1908 malte er in L’Estaque bei Marseille, wo schon Cézanne gearbeitet hatte, Häuser und Bäume als einfache, blockhafte Volumen. Die Jury des Salon d’Automne lehnte die Bilder ab. Im November 1908 stellte sie der junge deutsche Kunsthändler Daniel-Henry Kahnweiler in seiner Galerie aus. Der Kritiker Louis Vauxcelles schrieb von „Würfeln“, und der Name blieb.
In den folgenden Jahren arbeiteten Picasso und Braque so eng zusammen wie kaum zwei Künstler vor ihnen. Sie sahen sich fast täglich, verbrachten Sommer gemeinsam in Céret und Sorgues und signierten ihre Bilder zeitweise nur auf der Rückseite. Braque soll die Zusammenarbeit später mit zwei Bergsteigern verglichen haben, die aneinandergeseilt sind.
Analytisch: das Zerlegen
Ab etwa 1909 lösten die beiden ihre Motive immer weiter auf. Eine Gitarre, ein Glas oder ein Gesicht erscheinen in vielen kleinen Facetten, die von verschiedenen Seiten gesehen sind und ineinander übergehen. Die Farbe beschränkt sich auf Braun, Ocker und Grau, damit nichts von der Form ablenkt. Man spricht vom analytischen Kubismus.
Das Ergebnis ist kein Abbild mehr, sondern eine Untersuchung: Wie viel Information braucht ein Bild, damit wir einen Gegenstand erkennen? Damit die Bilder lesbar blieben, setzten Picasso und Braque Anhaltspunkte, einen Schnurrbart, einen Pfeifenkopf, ab 1911 auch schablonierte Buchstaben. Picassos Bildnis Daniel-Henry Kahnweiler von 1910 zeigt das Prinzip: Das Gesicht seines Händlers löst sich in ein Kristallgitter auf und bleibt doch erkennbar.
Synthetisch: Papier, Zeitung, Wachstuch
1912 folgte der zweite, ebenso folgenreiche Schritt. Im Frühjahr klebte Picasso ein Stück Wachstuch mit aufgedrucktem Rohrgeflecht auf ein ovales Stillleben und rahmte es mit einem echten Seil: Nature morte à la chaise cannée gilt als die erste Collage der Kunstgeschichte. Im September klebte Braque in Sorgues Tapetenstreifen mit Holzmaserung in eine Zeichnung, das erste papier collé.
Damit drehte sich die Richtung um. Statt einen Gegenstand zu zerlegen, setzten die Künstler Bilder aus fertigen Elementen zusammen: Zeitungsausschnitte, Notenblätter, Etiketten, Sand im Farbauftrag. Die Farben wurden wieder kräftiger, die Formen größer und flächiger. Dieser synthetische Kubismus brachte die Wirklichkeit selbst ins Bild und stellte zugleich die Frage, was ein Bild eigentlich ist.
Die Salonkubisten und der Markt
Picasso und Braque mieden die großen Salons und zeigten ihre Werke fast nur bei Kahnweiler, der ihnen 1912 Exklusivverträge gab. Die breite Öffentlichkeit lernte den Kubismus deshalb über andere kennen. 1911 stellten Albert Gleizes, Jean Metzinger, Fernand Léger, Henri Le Fauconnier und Robert Delaunay im Saal 41 des Salon des Indépendants aus und lösten einen Skandal aus. Gleizes und Metzinger veröffentlichten 1912 die erste Theorie der Bewegung, Du Cubisme. Im selben Jahr zeigte die Ausstellung der Section d’Or die Vielfalt der Richtung, 1913 erschien Guillaume Apollinaires Buch Les Peintres cubistes.
Juan Gris entwickelte einen klaren, fast mathematischen Kubismus. Léger verband die Formensprache mit Maschinen und Großstadt. Robert und Sonia Delaunay führten die leuchtende Farbe zurück, Apollinaire nannte das Orphismus.
Der Krieg zerreißt die Gruppe
Der Erste Weltkrieg beendete die Zusammenarbeit abrupt. Braque wurde eingezogen und 1915 schwer am Kopf verwundet. Kahnweiler war Deutscher. Der französische Staat beschlagnahmte seinen gesamten Bestand und versteigerte ihn zwischen 1921 und 1923 im Pariser Auktionshaus Drouot, mit Hunderten Werken von Picasso, Braque, Gris und Léger. Picasso wandte sich ab etwa 1917 auch einer klassizistischen Malweise zu, ohne den Kubismus ganz aufzugeben.
Weltweite Wirkung
Kaum eine Bewegung hat so schnell und so weit gewirkt. In New York löste Marcel Duchamps Akt, eine Treppe herabsteigend Nr. 2 auf der Armory Show 1913 einen Skandal aus. Die italienischen Futuristen übernahmen die Zerlegung der Form, um Bewegung und Geschwindigkeit zu zeigen. In Russland führte der Weg über den Kubofuturismus zu Kasimir Malewitschs Schwarzem Quadrat von 1915, in den Niederlanden zu De Stijl. Le Corbusier und Amédée Ozenfant antworteten 1918 mit ihrer Schrift Après le cubisme. In Prag entstand sogar eine kubistische Architektur, etwa das Haus zur Schwarzen Muttergottes von Josef Gočár aus dem Jahr 1912.
Warum er bis heute wirkt
Der Kubismus hat die Malerei von der Pflicht befreit, die Welt so zu zeigen, wie ein einzelnes Auge sie von einem festen Standpunkt sieht. Mit der Collage hat er außerdem ein Verfahren erfunden, ohne das Dada, Pop Art und große Teile der Gegenwartskunst nicht denkbar wären. Jedes Bild, das aus Fundstücken, Zitaten und Bruchstücken besteht, steht in seiner Tradition.
Zum Weiterlesen
- Daniel-Henry Kahnweiler: Der Weg zum Kubismus (1920). Der Bericht des wichtigsten Zeitzeugen.
- John Golding: Cubism: A History and an Analysis, 1907–1914 (1959). Ein Standardwerk der Forschung.
- Guillaume Apollinaire: Les Peintres cubistes (1913).