Zweiunddreißig Suppendosen
Am 9. Juli 1962 eröffnet in der Ferus Gallery in Los Angeles die erste Ausstellung mit den Pop-Gemälden eines New Yorker Werbegrafikers, der als Maler bisher kaum aufgefallen ist. An den Wänden hängen 32 kleine Leinwände, nebeneinander aufgereiht wie in einem Supermarktregal. Jede zeigt eine Dose Campbell’s-Suppe, jede eine andere der 32 Sorten, die das Unternehmen damals anbot. Der Künstler heißt Andy Warhol.
Einige Bilder fanden Käufer. Doch der Galerist Irving Blum hatte eine Idee: Die Serie sollte zusammenbleiben. Er bat die Käufer, vom Kauf zurückzutreten, und erwarb alle 32 Leinwände selbst, für 1.000 Dollar, in Monatsraten abbezahlt. 1996 kaufte das Museum of Modern Art in New York die Serie. Was 1962 wie ein Witz über die Kunst wirkte, ist heute eine ihrer Ikonen.
London: der Anfang
Erfunden wurde die Pop Art allerdings nicht in Amerika, sondern in Großbritannien. Anfang der 1950er-Jahre traf sich am Institute of Contemporary Arts in London die Independent Group, ein Kreis aus Künstlern, Architekten und Kritikern. Sie interessierten sich für das, was die Hochkultur verachtete: amerikanische Illustrierte, Science-Fiction, Autodesign und Werbung. Eduardo Paolozzi zeigte dort Collagen aus Zeitschriftenausschnitten, darunter I was a Rich Man’s Plaything von 1947, auf dem in einer Rauchwolke das Wort „POP!“ steht.
1956 entwarf Richard Hamilton für die Ausstellung „This Is Tomorrow“ in der Whitechapel Gallery eine kleine Collage mit dem langen Titel Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?: ein Bodybuilder mit einem riesigen Lutscher, eine Pin-up-Frau, ein Tonbandgerät, ein Staubsauger und durchs Fenster ein Kino. In einem Brief von 1957 definierte Hamilton, was Pop Art sein sollte: populär, kurzlebig, verbrauchbar, billig, massenproduziert, jung, witzig, sexy, effekthascherisch, glamourös und ein großes Geschäft. Den Begriff selbst prägte vermutlich der Kritiker Lawrence Alloway, ebenfalls Mitglied der Gruppe.
New York: Flaggen, Comics, Hamburger
In den USA bereiteten zwei Maler den Boden, die sich gegen den damals herrschenden Abstrakten Expressionismus stellten. Jasper Johns malte ab 1954 Flaggen, Zielscheiben und Ziffern, also Dinge, die jeder kennt und die zugleich flach sind wie ein Bild. Robert Rauschenberg baute in seinen Combines Alltagsgegenstände direkt in die Malerei ein. Man nannte das Neo-Dada.
Um 1961 wagten jüngere Künstler den nächsten Schritt. Roy Lichtenstein vergrößerte Comicbilder und malte sogar die Rasterpunkte des Billigdrucks von Hand nach, mit Look Mickey zum ersten Mal. Claes Oldenburg eröffnete Ende 1961 in einem Ladenlokal in Manhattan The Store und verkaufte dort Kuchen, Kleider und Würstchen aus bemaltem Gips. James Rosenquist, ein früherer Plakatmaler, setzte riesige Werbefragmente nebeneinander. Spätestens mit der Ausstellung „The New Realists“ in der Sidney Janis Gallery im Herbst 1962 war die neue Kunst in New York angekommen. Bald darauf veranstaltete das Museum of Modern Art ein Symposium über sie.
Warhol: Kunst als Fabrik
Niemand trieb die Logik der Pop Art so weit wie Warhol. Ab 1962 arbeitete er mit dem Siebdruck, einem Verfahren aus der Werbung, mit dem sich ein Foto beliebig oft auf Leinwand übertragen lässt. Nach dem Tod von Marilyn Monroe im August 1962 vervielfältigte er ihr Porträt in grellen Farben. Fast zur selben Zeit begann er die Serie „Death and Disaster“ mit Autounfällen, elektrischen Stühlen und Selbstmorden aus der Zeitung. Die endlose Wiederholung stumpft das Grauen ab und macht genau das sichtbar.
Sein Atelier hieß „The Factory“. „Ich möchte eine Maschine sein“, sagte Warhol 1963 in einem Interview. Er arbeitete mit Assistenten, drehte Filme, produzierte die Band The Velvet Underground und machte sich selbst zur Marke. Ob seine Kunst die Konsumgesellschaft kritisiert oder feiert, ist bis heute umstritten. Wahrscheinlich liegt ihre Wirkung gerade darin, dass sie sich nicht festlegt.
Die übersehenen Künstlerinnen
Die Geschichtsschreibung der Pop Art war lange eine Geschichte von Männern. Dabei arbeiteten Künstlerinnen von Anfang an mit: in New York die Bildhauerin Marisol und die Malerin Rosalyn Drexler, in London Pauline Boty, die 1966 mit 28 Jahren starb, in Belgien Evelyne Axell. Sie richteten den Blick oft auf das, was die männlichen Kollegen nur benutzten, auf das Bild der Frau in der Werbung. Ausstellungen wie „Seductive Subversion“ 2010 und „The World Goes Pop“ in der Tate Modern 2015 haben diese Positionen wieder sichtbar gemacht, ebenso Pop aus Lateinamerika, Japan und Osteuropa.
Düsseldorf: Kapitalistischer Realismus
Auch im Rheinland gab es eine eigene Antwort. 1963 verwandelten Gerhard Richter und Konrad Lueg, beide Studenten der Kunstakademie Düsseldorf, das Möbelhaus Berges in einen Ausstellungsraum. Sie setzten sich selbst als lebende Skulpturen auf Sofas vor einen Fernseher und nannten die Aktion „Leben mit Pop – eine Demonstration für den kapitalistischen Realismus“. Der Begriff war eine ironische Antwort auf den Sozialistischen Realismus der DDR, aus der Richter 1961 geflohen war. Zum Kreis gehörten auch Sigmar Polke und Manfred Kuttner. Lueg, mit bürgerlichem Namen Konrad Fischer, wurde unter diesem Namen später einer der wichtigsten Galeristen der Avantgarde.
Dass Deutschland heute über bedeutende Sammlungen amerikanischer Pop Art verfügt, verdankt es vor allem Sammlern wie Peter und Irene Ludwig. Ihre Schenkung an die Stadt Köln wurde zum Grundstock des Museum Ludwig. Auf der documenta 4 in Kassel war 1968 die amerikanische Pop Art so stark vertreten wie nie zuvor in Europa.
Kritik und Wirkung
Einflussreiche Kritiker wie Clement Greenberg hielten die Pop Art für bloßen Kitsch. Andere sahen in ihr einen philosophischen Wendepunkt. Als Warhol 1964 Holzkisten im Design von Brillo-Seifenkartons ausstellte, fragte sich der Philosoph Arthur C. Danto, warum diese Kisten Kunst seien und die gleich aussehenden im Supermarkt nicht. Seine Antwort, dass erst ein Umfeld aus Theorie und Institutionen ein Ding zur Kunst macht, prägt die Kunsttheorie bis heute.
Die Wirkung reicht weit in die Gegenwart: über die Appropriation Art der 1980er-Jahre, die fremde Bilder bewusst übernimmt, bis zu Jeff Koons und Takashi Murakami. Wie heikel diese Praxis rechtlich sein kann, zeigte 2023 ein Urteil des Obersten Gerichtshofs der USA. Es entschied, dass die Lizenzierung eines Warhol-Siebdrucks nach einem Foto der Fotografin Lynn Goldsmith nicht als „Fair Use“ gedeckt war.
Warum sie bis heute wirkt
Die Pop Art hat die Grenze zwischen Hoch- und Massenkultur durchlässig gemacht. Sie hat gezeigt, dass die Bilder, die uns täglich umgeben, ernst genommen werden müssen, weil sie unser Begehren und unser Weltbild formen. In einer Zeit von Logos, Influencern und endlos geteilten Bildern ist ihre Frage aktueller denn je.
Zum Weiterlesen
- Lucy R. Lippard: Pop Art (1966). Die erste umfassende Darstellung, mit Beiträgen von Lawrence Alloway und anderen.
- Arthur C. Danto: The Artworld, in: The Journal of Philosophy, 1964.
- Hal Foster: The First Pop Age (2012).