Impressionismus

Ein Morgen im Hafen von Le Havre

Aus dem Fenster seines Hotelzimmers blickt Claude Monet auf den Hafen von Le Havre. Kräne, Masten und Schornsteine lösen sich im Dunst auf, eine orangerote Sonne spiegelt sich im Wasser, im Vordergrund gleiten Ruderboote durch das graublaue Morgenlicht. Monet malt schnell und in dünnen Schichten. Manche Partien sind kaum mehr als ein Hauch von Farbe. Der Astronom Donald Olson hat Sonnenstand, Gezeiten und Wetteraufzeichnungen ausgewertet und kam 2014 zu dem Ergebnis, dass die Szene sehr wahrscheinlich am 13. November 1872 gegen 7.35 Uhr entstand.

Als das Bild anderthalb Jahre später ausgestellt werden sollte, fehlte ein Titel. „Ansicht von Le Havre“ ging schlecht, erzählte Monet später, also habe er gesagt: „Schreiben Sie Impression.“ Aus diesem beiläufigen Wort wurde der Name einer Epoche.

Gegen den Salon

Wer im Frankreich des 19. Jahrhunderts als Maler bestehen wollte, kam am Salon nicht vorbei. Die große Pariser Ausstellung war Marktplatz, Ruhmeshalle und Kontrollinstanz zugleich, und eine Jury entschied, was gezeigt wurde. An der Spitze der Gattungshierarchie stand die Historienmalerei: Szenen aus Mythologie, Bibel und Geschichte, im Atelier komponiert und makellos glatt vollendet. Landschaften und Alltagsszenen galten als nachrangig.

1863 lehnte die Jury so viele Arbeiten ab, dass Napoleon III. einen eigenen Salon des Refusés anordnete, einen „Salon der Zurückgewiesenen“. Dort löste Édouard Manets Le Déjeuner sur l’herbe einen Skandal aus: eine nackte Frau zwischen bekleideten Männern der Gegenwart, in harten Kontrasten gemalt und ohne mythologischen Vorwand. Manet wurde zum Bezugspunkt einer jüngeren Generation, die sich im Café Guerbois im Viertel Batignolles traf, darunter Monet, Renoir, Frédéric Bazille, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Edgar Degas und der Schriftsteller Émile Zola.

Der Deutsch-Französische Krieg von 1870/71 unterbrach den Aufbruch. Bazille fiel im November 1870. Monet und Pissarro wichen nach London aus, sahen dort die Landschaften von William Turner und John Constable und lernten den Kunsthändler Paul Durand-Ruel kennen, der für die Gruppe entscheidend werden sollte.

1874: Die Ausstellung, mit der alles begann

Am 15. April 1874, gut zwei Wochen vor dem offiziellen Salon, eröffnete in den früheren Atelierräumen des Fotografen Nadar am Boulevard des Capucines 35 die Ausstellung einer „Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs, graveurs, etc.“. Rund 30 Künstler stellten aus, unter ihnen Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Degas, Paul Cézanne und als einzige Frau Berthe Morisot. Es gab keine Jury und keine Medaillen. Die Beteiligten finanzierten die Schau selbst.

Am 25. April veröffentlichte der Kritiker Louis Leroy in der Satirezeitschrift Le Charivari eine Glosse, in der ein fiktiver Akademiemaler vor den Bildern verzweifelt. Ihr Titel: „L’Exposition des impressionnistes“. Gemeint war das abschätzig. Diese Maler, so der Vorwurf, lieferten bloße Eindrücke statt vollendeter Bilder. Die Gruppe drehte den Spott um und machte sich den Namen zu eigen. Während der dritten Ausstellung 1877 gab Georges Rivière, ein Freund Renoirs, sogar eine kurzlebige Zeitschrift mit dem Titel L’Impressionniste heraus.

Wirtschaftlich war 1874 ein Fehlschlag, und die Gesellschaft löste sich noch im selben Jahr auf. Trotzdem folgten bis 1886 sieben weitere gemeinsame Ausstellungen.

Sehen als Methode

Die Impressionisten wollten nicht malen, was man von einem Gegenstand weiß, sondern was das Auge in einem bestimmten Moment tatsächlich wahrnimmt. Dafür entwickelten sie eine neue Malweise:

• Malen im Freien: Fertig angeriebene Farben in Metalltuben, seit den 1840er-Jahren verfügbar, und tragbare Staffeleien erlaubten es, direkt vor dem Motiv zu arbeiten, en plein air. Die Eisenbahn brachte die Maler aus Paris rasch an die Seine nach Argenteuil, Bougival oder Louveciennes.
• Neue Pigmente: Synthetische Farbmittel wie künstliches Ultramarin, Kobaltblau oder Chromgelb erweiterten die Palette um leuchtende, reine Töne.
• Helle Gründe: Statt auf dunkel grundierter Leinwand malten sie auf weißen oder hellen Gründen, die durch die Farbe hindurchscheinen.
• Der offene Pinselstrich: Kurze, sichtbare Striche stehen unvermischt nebeneinander. Das Bild fügt sich erst im Auge der Betrachter zusammen. Oft wurde nass in nass gemalt, in einer einzigen Sitzung.
• Farbige Schatten: Schatten sind nicht schwarz oder braun, sondern blau, violett oder grün, so wie sie im Tageslicht tatsächlich erscheinen.

Wichtige Anregungen kamen von außen. Die Fotografie schärfte den Blick für den zufälligen Ausschnitt und den flüchtigen Moment. Japanische Farbholzschnitte, die seit den 1860er-Jahren in Paris kursierten, zeigten flächige Kompositionen und ungewohnte Blickwinkel. Vor allem Degas und Mary Cassatt schnitten Figuren am Bildrand an, als hätte der Blick sie gerade erst erfasst.

Paris wird modern

Zugleich veränderte sich die Stadt selbst. Ab 1853 ließ der Präfekt Georges-Eugène Haussmann im Auftrag Napoleons III. ganze Viertel abreißen und breite Boulevards, Parks und Bahnhöfe anlegen. Die Impressionisten machten dieses neue Paris zum Bildthema: Monet malte 1877 eine ganze Reihe von Ansichten im Bahnhof Saint-Lazare, Gustave Caillebotte die regennassen Straßen nahe der Place de l’Europe, Renoir das sonntägliche Tanzvergnügen im Moulin de la Galette auf dem Montmartre.

Einheitlich war die Gruppe dabei nie. Degas mochte das Etikett „Impressionist“ nicht, arbeitete fast ausschließlich im Atelier und interessierte sich für Tänzerinnen, Wäscherinnen und das Leben hinter den Kulissen. Manet, für viele der Wegbereiter, stellte nie mit der Gruppe aus. Berthe Morisot und die Amerikanerin Mary Cassatt, die ab 1879 dabei war, malten vor allem Innenräume, Gärten und Familienszenen, auch weil Frauen ihres Standes viele öffentliche Orte nicht ohne Weiteres aufsuchen konnten. Die Kunsthistorikerin Griselda Pollock hat diese „Räume der Weiblichkeit“ 1988 in einem einflussreichen Aufsatz untersucht.

Gleiches Motiv, anderes Licht

Am konsequentesten verfolgte Monet die Grundidee weiter. 1891 zeigte er bei Durand-Ruel eine Reihe von Bildern derselben Getreideschober zu verschiedenen Tages- und Jahreszeiten. Es folgten Pappeln, die Westfassade der Kathedrale von Rouen und Ansichten der Themse in London. Der Gegenstand wurde zum Vorwand, das eigentliche Thema war das sich wandelnde Licht.

In seinem Garten in Giverny legte Monet ab 1893 einen Seerosenteich an, der ihn bis zu seinem Tod 1926 beschäftigte. Kurz nach dem Waffenstillstand im November 1918 bot er dem französischen Staat eine Folge großformatiger Seerosenbilder an. Die monumentalen Leinwände, die die Besucher in zwei ovalen Sälen umfangen, wurden 1927 im Musée de l’Orangerie eingeweiht, wenige Monate nach seinem Tod. Mit ihren entgrenzten, fast gegenstandslosen Flächen wurden sie später zu einem Bezugspunkt für die abstrakte Malerei der Nachkriegszeit.

Vom Spott zum Weltruhm

Der Erfolg ließ lange auf sich warten. Durand-Ruel kaufte über Jahre Bilder der Gruppe und geriet dabei mehrmals an den Rand des Ruins. Der Durchbruch kam 1886 mit einer großen Ausstellung in New York, die ihm ein kaufkräftiges amerikanisches Publikum erschloss. Das ist einer der Gründe, warum bis heute so viele Hauptwerke in amerikanischen Museen hängen.

Wie umstritten die neue Malerei in Frankreich noch war, zeigte das Vermächtnis von Gustave Caillebotte. Der wohlhabende Maler und Sammler hatte schon 1876 testamentarisch verfügt, seine Sammlung mit Werken seiner Freunde dem Staat zu vermachen. Nach seinem Tod 1894 nahm der Staat nach langen Verhandlungen nur etwa vierzig Werke an. Als der Caillebotte-Saal im Musée du Luxembourg 1897 öffnete, protestierten akademische Künstler. Heute gehören diese Bilder zum Kern der Sammlung des Musée d’Orsay.

Ende und Nachleben

Die achte und letzte Gruppenausstellung 1886 machte den Umbruch sichtbar. Monet, Renoir, Sisley und Caillebotte fehlten, dafür zeigte Georges Seurat sein Gemälde Un dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte (Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte), aus unzähligen Farbpunkten aufgebaut und streng komponiert. Mit Seurat und Paul Signac begann der Neoimpressionismus, der die spontane Wahrnehmung durch eine systematische, an der Farbenlehre seiner Zeit geschulte Methode ersetzte.

Paul Cézanne, Vincent van Gogh und Paul Gauguin suchten dagegen nach festerer Form, stärkerem Ausdruck und symbolischer Farbe. Der englische Kritiker Roger Fry fasste sie 1910 in einer Londoner Ausstellung unter dem Begriff „Post-Impressionisten“ zusammen. Aus ihren Ansätzen gingen Fauvismus, Expressionismus und Kubismus hervor.

In Deutschland stieß die französische Malerei zunächst auf Widerstand. Hugo von Tschudi, ab 1896 Direktor der Berliner Nationalgalerie, holte mit Hilfe privater Stifter französische Impressionisten ins Museum, darunter Manets Im Wintergarten. Darüber geriet er in einen langen Konflikt mit Kaiser Wilhelm II. und wechselte 1909 nach München. Zur selben Zeit entwickelten Max Liebermann, Lovis Corinth und Max Slevogt eine eigene, deutsche Spielart des Impressionismus.

Warum er bis heute wirkt

Der Impressionismus brachte nicht nur neue Bilder hervor, sondern eine neue Haltung: Malerei muss keine endgültige Wahrheit zeigen, sie darf einen subjektiven, flüchtigen Blick festhalten. Damit öffnete er die Tür zur Moderne. Dass ausgerechnet die einst verspotteten Bilder heute Besuchermassen in die Museen ziehen, gehört zu den großen Ironien der Kunstgeschichte.

Zum Weiterlesen

• John Rewald: Die Geschichte des Impressionismus (englische Erstausgabe 1946). Das klassische Standardwerk.
• Paris 1874. Inventer l’impressionnisme: Katalog der Jubiläumsausstellung des Musée d’Orsay und der National Gallery of Art in Washington, 2024.
• Griselda Pollock: Modernity and the Spaces of Femininity, in: Vision and Difference, 1988.