Ein Wettbewerb in Florenz
1401 schreibt die Zunft der Tuchhändler in Florenz einen Wettbewerb aus. Gesucht wird ein Künstler für ein neues Bronzetor am Baptisterium, der Taufkirche gegenüber dem Dom. Jeder Bewerber soll dasselbe Relief gießen: die Opferung Isaaks. Zwei Entwürfe kommen in die engere Wahl, einer vom jungen Goldschmied Lorenzo Ghiberti, einer von Filippo Brunelleschi. Beide Tafeln sind bis heute im Museo Nazionale del Bargello erhalten. Ghiberti gewinnt und arbeitet mehr als zwei Jahrzehnte an seinem Tor.
Brunelleschi wendet sich der Architektur zu. Er baut die gewaltige Kuppel des Florentiner Doms, die bis heute die Stadt überragt, und er führt um 1420 vor, wie sich Raum mathematisch genau auf eine Fläche übertragen lässt. Diese Zentralperspektive wird zum Werkzeug einer neuen Kunst.
Wiedergeburt: ein Name mit Absicht
Das Wort „Renaissance“ bedeutet Wiedergeburt. Schon der Maler und Biograf Giorgio Vasari sprach 1550 in seinen Künstlerviten von einer „rinascita“, einer Wiedergeburt der Künste nach dem angeblich finsteren Mittelalter. Als Epochenbegriff setzte sich das Wort erst im 19. Jahrhundert durch, vor allem durch Jacob Burckhardts Buch Die Kultur der Renaissance in Italien von 1860.
Die Forschung sieht diese Erzählung heute kritischer. Das Mittelalter war weder dunkel noch antikenfern, und viele Neuerungen der Renaissance haben gotische Wurzeln. Richtig bleibt aber: Im 15. Jahrhundert veränderte sich der Blick auf den Menschen, auf die Natur und auf die Rolle des Künstlers grundlegend.
Der Mensch als Maß
Die Humanisten lasen antike Texte neu und stellten den Menschen, seine Würde und seine Fähigkeiten in den Mittelpunkt. Die Künstler übersetzten das in Bilder. Um 1427 malte Masaccio in der Kirche Santa Maria Novella sein Fresko der Dreifaltigkeit, eine Kapelle in so überzeugender Perspektive, dass die Wand sich zu öffnen scheint. Donatello schuf mit seinem bronzenen David vermutlich die erste frei stehende Aktfigur seit der Antike. 1435 beschrieb Leon Battista Alberti in seiner Schrift über die Malerei, wie man Perspektive konstruiert.
Wichtig für diese Blüte waren reiche Auftraggeber. In Florenz förderte die Bankiersfamilie der Medici Künstler, Gelehrte und Philosophen. Im Umfeld der Medici entstand auch Sandro Botticellis Geburt der Venus. Das Bild gilt als eines der ersten großformatigen Gemälde seit der Antike, das eine nackte Göttin der heidnischen Mythologie zeigt.
Die Hochrenaissance
Um 1500 erreichte die Bewegung ihren Höhepunkt, die sogenannte Hochrenaissance. Drei Künstler stehen für sie. Leonardo da Vinci verband Kunst und Naturforschung, sezierte Leichen, um den Körper zu verstehen, und entwickelte mit dem Sfumato weich verschwimmende Übergänge. Sein Abendmahl in Mailand und die Mona Lisa im Louvre gehören zu den bekanntesten Bildern der Welt.
Michelangelo meißelte von 1501 bis 1504 seinen David aus einem Marmorblock, an dem andere Bildhauer gescheitert waren, und malte von 1508 bis 1512 die Decke der Sixtinischen Kapelle. Raffael gestaltete im Vatikan die Räume von Papst Julius II., darunter die Schule von Athen, in der die Philosophen der Antike in einer idealen Architektur versammelt sind. Mit der Plünderung Roms durch kaiserliche Truppen 1527 endete diese Phase.
Venedig: Farbe statt Linie
In Venedig entwickelte sich eine eigene Malerei. Giovanni Bellini, Giorgione und Tizian arbeiteten mit Ölfarbe auf Leinwand und bauten ihre Bilder aus Farbe und Licht auf, weniger aus der Zeichnung. Vasari, ein Florentiner, sah darin einen Mangel. Der Streit zwischen „disegno“, der Zeichnung, und „colorito“, der Farbe, beschäftigte die Kunsttheorie noch Jahrhunderte.
Renaissance im Norden
Nördlich der Alpen verlief die Entwicklung anders. In Flandern malte Jan van Eyck schon in den 1430er-Jahren in Öl mit einer bis dahin unbekannten Genauigkeit, etwa im Genter Altar oder in der Arnolfini-Hochzeit. Der Nürnberger Albrecht Dürer reiste zweimal nach Italien und brachte Perspektive und Proportionslehre nach Deutschland. Der Buchdruck, um 1450 von Johannes Gutenberg in Mainz eingeführt, verbreitete Druckgrafik in ganz Europa, und Dürer nutzte ihn geschickt für seinen Ruhm.
Der Künstler wird zum Genie
Im Mittelalter galten Maler und Bildhauer als Handwerker. In der Renaissance stiegen die besten unter ihnen zu Gelehrten und gefeierten Persönlichkeiten auf. Sie signierten ihre Werke, porträtierten sich selbst und wurden von Fürsten umworben. Dürers Selbstbildnis von 1500 zeigt ihn frontal, in einer Haltung, die an Christusbilder erinnert, ein selbstbewusstes Bekenntnis zum Rang des Künstlers.
Auch einzelne Frauen setzten sich durch, unter oft großen Widerständen. Die Bildhauerin Properzia de’ Rossi erhielt in Vasaris Künstlerviten eine eigene Biografie, die Malerin Sofonisba Anguissola wurde Hofmalerin am spanischen Hof.
Warum sie bis heute wirkt
Die Renaissance hat Maßstäbe gesetzt, an denen sich Kunst jahrhundertelang messen ließ: perspektivischer Raum, anatomisch richtige Körper, harmonische Proportionen. Die Akademien, die im 16. Jahrhundert entstanden, machten diese Regeln lehrbar. Erst die Moderne hat sich radikal von ihnen gelöst. Wer verstehen will, wogegen Impressionisten, Kubisten und Expressionisten rebellierten, muss bei der Renaissance beginnen.
Zum Weiterlesen
- Giorgio Vasari: Lebensläufe der berühmtesten Maler, Bildhauer und Architekten (1550, erweitert 1568).
- Jacob Burckhardt: Die Kultur der Renaissance in Italien (1860).
- Michael Baxandall: Painting and Experience in Fifteenth-Century Italy (1972). Deutsch: Die Wirklichkeit der Bilder.