Ein Mönch vor dem Nichts
Herbst 1810, Ausstellung der Berliner Akademie. Ein Bild verstört die Besucher: Am unteren Rand steht eine winzige Figur auf einem Dünenstreifen, dahinter ein fast schwarzes Meer und ein riesiger, leerer Himmel. Keine Schiffe, keine Bäume, kein Halt für das Auge. Der Dresdner Maler Caspar David Friedrich hat den Mönch am Meer geschaffen, eines der radikalsten Bilder seiner Zeit.
In den Berliner Abendblättern erschien eine Besprechung, die Heinrich von Kleist auf Grundlage eines Textes von Clemens Brentano und Achim von Arnim verfasst hatte. Vor dem Bild sei es, schrieb er, „als ob einem die Augenlider weggeschnitten wären“. Auf Wunsch des jungen Kronprinzen kaufte der preußische König das Bild zusammen mit seinem Gegenstück, der Abtei im Eichwald. Beide hängen heute in der Alten Nationalgalerie in Berlin.
Ein Begriff aus der Literatur
Die Romantik begann als literarische Bewegung. Um 1798 entwarfen die Brüder August Wilhelm und Friedrich Schlegel in ihrer Zeitschrift Athenaeum das Programm einer „romantischen Poesie“, die Kunst, Philosophie und Leben verbinden sollte. Novalis schrieb: „Die Welt muss romantisiert werden.“ Gemeint war, dem Gewöhnlichen einen geheimnisvollen, unendlichen Sinn zu geben.
Für die Malerei wurde ein Begriff aus der Philosophie zentral: das Erhabene. Der Ire Edmund Burke hatte es 1757 beschrieben als das Gefühl von Schrecken und Größe angesichts von Stürmen, Abgründen oder endlosen Räumen. Romantische Maler suchten genau dieses Gefühl.
Deutschland: Landschaft als Andacht
Caspar David Friedrich malte keine Landschaften, um eine Gegend zu zeigen. Seine Bilder sind Meditationen über Leben, Tod und Glauben. Typisch sind die Rückenfiguren, die wie wir in die Ferne blicken, etwa der Wanderer über dem Nebelmeer. Friedrich komponierte seine Bilder im Atelier aus Studien verschiedener Orte, sie zeigen also keine reale Aussicht.
In Hamburg entwarf Philipp Otto Runge mit seinen Tageszeiten ein Weltbild aus Pflanzen, Kindern und Licht. In Wien gründeten junge Maler um Friedrich Overbeck 1809 den Lukasbund. Sie zogen nach Rom, lebten in einem leer stehenden Kloster und wollten die religiöse Kunst durch das Vorbild des Mittelalters und Raffaels erneuern. Ihre Gegner nannten sie spöttisch „Nazarener“.
England: Licht und Atmosphäre
In England gingen William Turner und John Constable zwei sehr unterschiedliche Wege. Constable malte die Landschaft seiner Heimat in Suffolk mit genauer Beobachtung von Wolken und Wetter. Sein Heuwagen erhielt 1824 im Pariser Salon eine Goldmedaille und beeindruckte die französischen Maler tief. Turner löste Schiffe, Stürme und Eisenbahnen in Licht und Farbnebel auf. Regen, Dampf und Geschwindigkeit von 1844 zeigt eine Lokomotive, die aus dem Dunst auf uns zurast, ein Bild der modernen Technik und ihrer Wucht. Der Dichter und Maler William Blake schuf zur selben Zeit ein eigenwilliges Werk aus Visionen und Mythen.
Frankreich: Drama und Revolution
In Frankreich zeigte sich die Romantik als Malerei der Leidenschaft und des politischen Dramas. Théodore Géricault stellte 1819 im Salon Das Floß der Medusa aus, ein riesiges Bild der Überlebenden eines Schiffbruchs von 1816, dessen Hintergründe einen Skandal um Unfähigkeit und Vertuschung ausgelöst hatten. Für die Studien zeichnete er sogar Sterbende in Krankenhäusern.
Eugène Delacroix malte nach der Julirevolution von 1830 Die Freiheit führt das Volk: eine barbusige Frauengestalt mit Trikolore, die über Barrikaden und Gefallene hinweg voranschreitet. Seine leuchtende, bewegte Farbe wurde zum Gegenpol der klaren Linie, wie sie Jean-Auguste-Dominique Ingres und der Klassizismus vertraten.
Spanien: Goya und die dunkle Seite
Francisco de Goya, Hofmaler in Madrid, zeigte die Kehrseite der Vernunft. In seiner Radierfolge Los Caprichos von 1799 trägt ein Blatt den Titel „Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer“. Zwischen 1819 und 1823 bemalte er die Wände seines Landhauses mit den sogenannten Schwarzen Bildern, düsteren Visionen von Gewalt und Wahnsinn, die heute im Prado hängen. Goya gehört keiner Schule an, gilt aber als einer der großen Wegbereiter der modernen Kunst.
Vergessen, wiederentdeckt, missbraucht
Nach seinem Tod 1840 geriet Friedrich weitgehend in Vergessenheit. Erst die Berliner Jahrhundertausstellung von 1906 machte ihn wieder bekannt. Im Nationalsozialismus wurde er als „deutscher“ Maler vereinnahmt, was seine Rezeption lange belastete. Zu seinem 250. Geburtstag 2024 zeigten Hamburg, Berlin und Dresden große Ausstellungen, 2025 folgte das Metropolitan Museum in New York.
Auch Frauen arbeiteten in der Romantik als Malerinnen, obwohl ihnen die Akademien meist verschlossen blieben. Louise Seidler etwa wirkte in Weimar und war mit Goethe befreundet, Marie Ellenrieder wurde Hofmalerin in Baden.
Warum sie bis heute wirkt
Die Romantik hat der Kunst das Recht gegeben, subjektiv zu sein. Nicht mehr die Regel, sondern die Empfindung des Künstlers zählte. Damit bereitete sie die Moderne vor, von Turners aufgelöstem Licht, das die Impressionisten bewunderten, bis zu Friedrichs leeren Räumen, in denen manche Kunsthistoriker einen Vorgriff auf die abstrakte Malerei des 20. Jahrhunderts sehen.
Zum Weiterlesen
- Edmund Burke: Philosophische Untersuchung über den Ursprung unserer Ideen vom Erhabenen und Schönen (1757).
- Werner Busch: Caspar David Friedrich. Ästhetik und Religion (2003).
- Robert Rosenblum: Modern Painting and the Northern Romantic Tradition. Friedrich to Rothko (1975).