Ein Schuh fliegt durch die Luft
Paris, 1767. Ein junger Mann liegt in einem verwunschenen Garten im Gebüsch und blickt nach oben. Über ihm schwingt eine junge Frau in einem rosa Seidenkleid auf einer Schaukel, angestoßen von einem älteren Herrn im Hintergrund. Im Schwung fliegt ihr Pantoffel davon, ihr Rock gibt den Blick frei. Eine Amorstatue legt den Finger an die Lippen.
Jean-Honoré Fragonards Schaukel ist ein Inbegriff des Rokoko: leicht, frivol, voller Licht und Bewegung. Der Überlieferung nach geht das Motiv auf einen adligen Auftraggeber zurück, der sich mit seiner Geliebten malen lassen wollte. Heute hängt das Bild in der Wallace Collection in London.
Vom Palast in den Salon
Nach dem Tod Ludwigs XIV. 1715 lockerte sich das strenge Hofleben. Der Adel baute sich in Paris elegante Stadtpaläste mit kleineren, intimeren Räumen. Statt riesiger Historienbilder verlangten die Auftraggeber dekorative Gemälde, Porträts und Szenen, die Vergnügen und Liebe feierten. Die Wände wurden hell, die Ornamente asymmetrisch und verspielt.
Der Name des Stils stammt von „rocaille“, dem Muschel- und Grottenwerk, das zu seinem wichtigsten Ornament wurde. Wie bei Gotik und Barock entstand die Bezeichnung erst später und war zunächst abwertend gemeint.
Watteau und das galante Fest
1717 reichte Antoine Watteau bei der Pariser Akademie ein Bild ein, für das es noch keine Kategorie gab: Elegante Paare in Seidenkleidern versammeln sich an einem Ufer. Ob sie zur Liebesinsel Kythera aufbrechen oder schon von dort heimkehren, ist bis heute umstritten. Die Akademie schuf dafür eigens die Gattung der „fête galante“. Watteaus Szenen sind heiter und zugleich von leiser Melancholie, als wüssten die Figuren, dass jedes Fest einmal endet.
François Boucher, der Lieblingsmaler der Madame de Pompadour, malte Göttinnen, Hirten und Schäferinnen in rosigen Tönen und porträtierte die einflussreiche Mätresse Ludwigs XV. mehrfach. Ganz anders arbeitete Jean-Siméon Chardin. Er malte stille Küchenstillleben und Alltagsszenen mit Kindern und Dienstmägden, schlicht und von großer Würde.
Malerinnen des Rokoko
Die Venezianerin Rosalba Carriera machte das Pastell zu einer gefeierten Technik. 1720 wurde sie in die Pariser Akademie aufgenommen, ihre Bildnisse waren an den Höfen Europas begehrt. Eine große Sammlung ihrer Pastelle besitzt heute die Dresdner Gemäldegalerie. Élisabeth Vigée Le Brun wurde zur bevorzugten Porträtistin der Königin Marie-Antoinette. 1783 nahm die Akademie sie am selben Tag wie Adélaïde Labille-Guiard auf.
Rokoko in Deutschland
Besonders reich entfaltete sich das Rokoko in Süddeutschland. François de Cuvilliés schuf mit der Amalienburg im Münchner Schlosspark Nymphenburg einen Jagdpavillon mit einem Spiegelsaal in Silber und Blau. Die Brüder Zimmermann bauten und gestalteten die Wieskirche bei Steingaden, deren Inneres in Weiß, Gold und Pastell zu schweben scheint. Sie gehört heute zum UNESCO-Welterbe. In Potsdam ließ Friedrich der Große Schloss Sanssouci errichten, in Meißen formte Johann Joachim Kändler Porzellanfiguren von Liebespaaren, Tieren und Komödianten.
Das Ende der Leichtigkeit
Schon zu Lebzeiten Bouchers wuchs die Kritik. Der Philosoph Denis Diderot warf ihm vor, eine Kunst ohne Moral und Wahrheit zu machen. Die Aufklärer forderten ernste, belehrende Bilder, und mit Winckelmann und David setzte sich der Klassizismus durch. Die Revolution von 1789 beendete die Welt, für die das Rokoko gemalt hatte.
Warum es bis heute wirkt
Das Rokoko gilt oft als bloß dekorativ. Doch es hat die Malerei vom Pathos befreit, den privaten Raum entdeckt und Gattungen wie die Pastellmalerei und das intime Porträt zu höchster Blüte gebracht. Seine Leichtigkeit und Farbigkeit haben Künstler bis zu den Impressionisten inspiriert.
Zum Weiterlesen
- Mary D. Sheriff: Fragonard. Art and Eroticism (1990).
- Hermann Bauer: Rocaille. Zur Herkunft und zum Wesen eines Ornament-Motivs (1962).