Eine Insel für die Toten
Florenz, April 1880. Im Atelier des Schweizer Malers Arnold Böcklin sieht die Witwe Marie Berna ein halbfertiges Bild: eine kleine Felseninsel im stillen Meer, mit dunklen Zypressen und Grabkammern im Gestein. Sie bestellt eine eigene Fassung, und auf ihren Wunsch fügt Böcklin ein Boot hinzu, darin eine weiß verhüllte Gestalt neben einem Sarg. Böcklin selbst nannte es ein „Traumbild“. Mehr erzählt das Bild nicht.
Böcklin malte bis 1886 fünf Fassungen der Toteninsel, eine sechste entstand 1901 gemeinsam mit seinem Sohn Carlo. Sie wurde zu einem der populärsten Bilder der Zeit, als Reproduktion hing sie in unzähligen bürgerlichen Wohnzimmern. Sergei Rachmaninow komponierte 1909 eine sinfonische Dichtung danach. Die dritte Fassung von 1883 besaß später Adolf Hitler, heute hängt sie in der Alten Nationalgalerie in Berlin.
Ein Manifest in der Zeitung
Der Begriff stammt aus der Literatur. Am 18. September 1886 veröffentlichte der Dichter Jean Moréas in der Zeitung Le Figaro ein Manifest des Symbolismus. Die Kunst solle nicht beschreiben, sondern Ideen in sinnliche Formen kleiden. Vorbilder waren Charles Baudelaire und Stéphane Mallarmé, der schrieb, einen Gegenstand zu benennen heiße, drei Viertel des Genusses an einem Gedicht zu zerstören.
Die Maler übertrugen diese Haltung ins Bild. Sie wandten sich gegen den Realismus, der nur zeige, was man sehe, und gegen den Impressionismus, der beim Lichteindruck stehen bleibe.
Paris: Moreau, Puvis und Redon
Gustave Moreau malte biblische und mythologische Szenen voller Edelsteine, Ornamente und schimmernder Farben. Seine Salome-Bilder machten die verführerische und tödliche Frau zu einem Leitmotiv der Epoche. Sein Haus in Paris mit Hunderten von Gemälden und Tausenden Zeichnungen vermachte er dem Staat, es ist heute ein Museum.
Pierre Puvis de Chavannes malte stille, flächige Bilder in blassen Farben, die wie verblasste Fresken wirken. Sein Armer Fischer von 1881 wurde von jüngeren Malern wie Gauguin bewundert. Odilon Redon zeichnete zunächst in schwarzer Kohle schwebende Augen, Köpfe und Fabelwesen, die er seine „Schwarzen“ nannte. Später wechselte er zu leuchtenden Farben und Blumenbildern.
Brüssel, München, Wien
In Belgien war der Symbolismus besonders stark. Die Künstlergruppe Les XX, 1883 in Brüssel gegründet, zeigte die internationale Avantgarde. Fernand Khnopff malte stille, kühle Frauenbilder und rätselhafte Sphingen. In München wurde Franz von Stuck mit seinem Bild Die Sünde, einer Frau mit einer Schlange vor dunklem Grund, berühmt. Seine Künstlervilla ist heute ein Museum. Der Schweizer Ferdinand Hodler malte rhythmisch angeordnete Figuren, die Lebensalter, Schlaf und Tod verkörpern. In Wien gründeten Gustav Klimt und seine Mitstreiter 1897 die Secession, deren frühe Kunst stark vom Symbolismus geprägt war.
Die Frau als Rätsel
Ein zentrales Motiv des Symbolismus ist die „Femme fatale“, die verführerische, gefährliche Frau: Salome, Sphinx, Medusa, Eva. Heute lesen Kunsthistoriker diese Bilder auch als Ausdruck männlicher Ängste in einer Zeit, in der Frauen zunehmend Bildung, Berufe und Rechte einforderten.
Warum er bis heute wirkt
Der Symbolismus hat der Malerei das Innere, Unbewusste und Rätselhafte zurückgegeben. Jugendstil und Expressionismus griffen seine Themen auf, und die Surrealisten verehrten Gustave Moreau als Vorläufer. Seine Bilder vom Tod, vom Traum und von der Sehnsucht nach einer anderen Welt wirken bis in Film, Fantasy und Popkultur.
Zum Weiterlesen
- Hans H. Hofstätter: Symbolismus und die Kunst der Jahrhundertwende (1965).
- Michael Gibson: Symbolismus (1995).